Введение

1 ЮЖНЫЙ УРАЛ

1.1 Исторические предпосылки и условия становления народных художественных ремёсел русского населения Южного Урала

1.2 Уральская домовая роспись

1.4 Уральское чугунное литьё

2 ЧЕЛЯБИНСКАЯ ОБЛАСТЬ

2.1 Каслинское литьё

3 ОРЕНБУРГСКАЯ ОБЛАСТЬ

3.1 Пуховый платок

4 БАШКОРТОСТАН

4.1 Резьба по дереву, посуда из дерева, веретённые изделия

Заключение

БИБЛИОГРАФИЧЕСКИЙ СПИСОК

АЛЬБОМ ПРИЛОЖЕНИЙ

ПРИЛОЖЕНИЕ А. ЮЖНЫЙ УРАЛ

ПРИЛОЖЕНИЕ Б. ЧЕЛЯБИНСКАЯ ОБЛАСТЬ

ПРИЛОЖЕНИЕ В. ОРЕНБУРГСКАЯ ОБЛАСТЬ

ПРИЛОЖЕНИЕ Г. БАШКОРТОСТАН

ВВЕДЕНИЕ

Приобщение современного человека к традиционному искусству своего народа значимо для его эстетического и этического воспитания, именно на этой основе вырастает уважение к своей Земле, Родине, происходит возрождение национального самосознания. Это определяется спецификой традиционного прикладного искусства как векового культурного опыта народа, основанного на преемственности поколений, передававших своё восприятие мира, воплощённое в художественных образах народного искусства. Народное искусство поражает двумя особенностями (наряду с другими): всеохватностью и единством. «Всеохватность» - это пронизанность всего, что выходит из рук и уст человека, художественным началом. Единство - это, прежде всего единство стиля, народного вкуса» (Д.С. Лихачёв). Народное декоративно-прикладное искусство - одна из проверенных временем форм выражения эстетического восприятия человеком мира.

Народные художественные промыслы России - неотъемлемая часть отечественной культуры. В них воплощен многовековой опыт эстетического восприятия мира, обращенный в будущее, сохранены глубокие художественные традиции, отражающие самобытность культур многонациональной Российской Федерации.

Определение понятий «промысел», «ремесло» в специальной литературе остается дискуссионным. Условно под ремеслом подразумевается мелкое ручное производство меновых ценностей. Ремесло преобладало до появления крупной машинной индустрии, частично сохранилось наряду с ней до настоящего времени. Условность ручного способа производства как основой признака ремесла, закрепленного «Уставом о промышленности фабричной и заводской» 1893, проявляется при сопоставлении ремесленных заведений с фабричным: «Мануфактуры, фабрики и заводы отличаются от ремесел тем, что имеют в большом виде заведения и машины; у ремесленников же нет их, кроме ручных машин и инструментов».

Бесспорным остается определение ремесла как профессиональные занятия, для которого характерны: мастерство ремесленника, позволяющее производить высококачественные, а часто и высокохудожественные изделия; мелкий характер производства; применения простых орудий труда.

Художественные промыслы являются одновременно и отраслью промышленности, и областью народного творчества.

Сочетание традиций и новаторства, стилевых особенностей и творческой импровизации, коллективных начал и взглядов отдельной личности, рукотворности изделий и высокого профессионализма - характерные черты творческого труда мастеров и художников промыслов.

Неповторимые художественные изделия народных промыслов Южного Урала любимы и широко известны не только в нашей стране, их знают и высоко ценят за рубежом, они стали символами отечественной культуры, вкладом России во всемирное культурное наследие.

В век технического прогресса, машин и автоматики, стандарта и унификации изделия художественных промыслов, выполненные в основном вручную, в большинстве своем из природных материалов, приобрели особое значение.

Еще до середины 20 века в России были востребованы в жизни различные виды традиционных ремесел, такие как гончарство, ткачество, кузнечное дело и многие другие. В крестьянском и отчасти в городском быту продолжала существовать жизненная потребность в глиняных сосудах или тканых дорожках, пока на смену им не пришла фабрично-заводская продукция из новых материалов. Сегодня носителей, хранителей и творцов народной художественной культуры остается все меньше, особенно в сфере прикладного творчества.

Большое значение в развитии промыслов, а затем и в изучении их состояния, имели Всероссийские художественно-промышленные выставки, устраиваемые в крупных российских городах: Москве (1831), Санкт-Петербурге (1829, 1870, 1902 и далее), Нижнем Новгороде (1896), Казане, Екатеринбурге (1887), а также участие русских кустарей в заграничных ярмарках и всемирных выставках в Париже (1900, 1904), Лейпциге (1907 и др.). В изучении развития фабрично-заводской и кустарной промышленности Южного Урала важное значение имеют исследования М.Д. Машина. Ученый, опираясь на документальные материалы, показывает уровни и объемы развития мелкотоварной промышленности и интересующих нас ремесел по обработке волокнистого сырья (ткацкое), дерева, бересты, металла. Основные тенденции развития кустарной промышленности Урала различных периодов изучались также историками А.А. Кандрашенковым, П.А. Вагиной, Л.В. Ольховой. Вопрос влияния мелкотоварной промышленности Урала на декоративно-прикладное искусство края второй половины 19 начала 20 века ставит и освещает в научных статьях Л.Б. Алимова.

Центральной темой исследований Б.В. Павловского явилось декоративно-прикладное искусство промышленного характера (чугунное литье, камнерезное искусство, художественная обработка оружия, изделия из меди, роспись металлических изделий, фаянс, фарфор).

Целью данной работы для меня являлось изучение художественных промыслов и деятельность предприятий занимающихся выпуском изделий художественных промыслов по Южному Уралу, их развития и размещения на территориях: Челябинской, Оренбургской областях и Башкортостане. Для этого ставятся следующие задачи:

1) изучить систему формирования центров художественных ремесел на Южном Урале,

2) вследствие чего произошло формирование тех, или иных центров художественных ремесел на Южном Урале, Оренбургской, Челябинской областях и Башкортостане,

3) составить несколько альбомов – приложений, состоящих из наиболее важных иллюстраций различных видов художественных ремесел.

1.1 Исторические предпосылки и условия становления народных художественных ремёсел русского населения

Своими корнями народное искусство и художественные промыслы уходят в глубокую древность, когда человек жил в условиях первобытнообщинного и родового строя. Средства существования он добывал примитивными способами. Всякая деятельность в первобытном обществе могла быть только коллективной. Разделение труда осуществлялось только на труд мужской (война, охота) и труд женский (приготовление пищи, изготовление одежды, ведение домашнего хозяйства); в то время даже керамическое производство было домашним женским делом. Необходимость совместного труда обусловила общую собственность на орудия труда, на землю, на продукты производства. Имущественного неравенства еще не было.

Зачатки искусства тогда тоже носили коллективный характер. Изготовляя орудия труда, охоты и войны, посуду, одежду и другие необходимые в быту предметы, человек стремился придать им красивую форму, украсить их орнаментом, то есть делал тем самым обычные вещи произведениями искусства. Нередко форма изделия и его орнамент имели еще и магическое, культовое назначение. Так, один и тот же предмет мог одновременно удовлетворять реальные потребности человека, отвечать его религиозным взглядам и соответствовать его пониманию красоты.

Эта нерасчлененность, слитность функций древнего искусства была характерной чертой и искусства древних восточных славян, которое было неотделимо от их быта. Самым первым производством, выделившимся в самостоятельное ремесло в городе и деревне, было обработка металла.

Древняя Русь знала почти все виды современной художественной металлообработки, но главными была ковка, литье, чеканка, филигрань и зернь.

Наиболее высокого уровня развития в это время достигло ювелирное искусство.

Вторым по времени зарождения ремеслом, после обработки металла, явилось гончарство. В 9–10 вв. Киевская Русь уже знает гончарный круг, появление которого означало переход керамического производства из рук женщин, занятых домашним трудом, в руки мужчины-ремесленника. Гончарные мастерские изготовляли посуду, домашнюю утварь, игрушки, предметы церковного обихода, изразцы - декоративные керамические плитки, которые использовались в архитектуре как отделочный материал.

В древней Руси было развито также и искусство ремесленников-камнерезов: резчиков икон и литейных форм, гранильщиков бус. Работало множество косторезных мастерских, массовой продукцией которых были гребни самых разнообразных форм, а также предметы культового назначения: кресты, иконы и так далее.

Ремесленники Древней Руси в основном выполняли изделия на заказ. По своему социальному положению они входили в различные группы населения. В городах уже работали свободные мастера: иконописцы, златокузнецы, чеканщики, кузнецы, игрушечники и другие. Вместе с тем на боярских и княжеских дворах, в поместьях и вотчинах трудились закрепощенные мастера-холопы. В монастырях также работали ремесленники. Следует отметить, что в Древней Руси не ко всем видам ремесел относились одинаково. Были профессии более «почитаемые», такие, как иконописное, златокузнечное дело, и были «черные», «грязные», как, например, гончарное дело.

Основными видами женского художественного творчества в Древней Руси были узорное ткачество в частности, «бранное», вышивка по холсту, золотое шитье, «шелковое прялочное дело».

Основным видом искусства являлось древнерусское шитье - вышитая церковная утварь: пелены, плащаницы, покровы, вызывавшие всеобщее восхищение и вывозившиеся из Руси в другие страны.

Крупными центрами художественного женского рукоделия были монастыри. Среди древнейших русских художественных промыслов следует назвать промысел художественной резьбы по кости и дереву, возникший в Троице–Сергиевом монастыре в 16–17 вв. Здесь же стал развиваться и игрушечный промысел.

Великая Отечественная война, нарушившая мирный труд, не могла не отразиться и на развитии художественных промыслов. В своих произведениях в годы Великой Отечественной войны народные мастера стремились откликнуться на волновавшие всех события. В первые годы послевоенного периода артели художественных промыслов восстанавливают свои творческие силы, воспитывают новые, молодые кадры мастеров и художников.

В 1960 году решением правительства, в связи с ликвидацией промысловой кооперации, художественные артели были преобразованы в фабрики и комбинаты, которые существуют и развиваются по сегодняшний день.

В целях сохранения народных художественных промыслов в условиях рыночной экономики, для защиты их интересов в федеральных и региональных органах власти в 1990 году по инициативе ряда предприятий была создана Ассоциация «Народные художественные промыслы России». .

1.2 Уральская домовая роспись

В любые времена сам человек стремится к тому, чтобы все вокруг было удобно и красиво. Традиция украшать дом росписью, а на Урале внутренние помещения избы расписывали красками - говорит нам о том же: если хозяин мог хорошо заплатить мастеру, то интерьер избы расписывался целиком. Украшались не только стены и потолок, но и мебель, утварь, орудия труда и быта: стол, табуретки, комод, деревянная кровать, тренога, люлька, прялка, швейка, детская стоялка, бочонок для кваса, деревянный дойник, бураки, посуда и многое другое. (Приложение А, рисунок А.1). Роспись дома дополняли половики, занавески, лоскутные одеяла, домотканая яркая одежда, рушники и живые цветы.

Первый акцент в избе делался на обратной стороне двери. На ней часто изображали древо жизни с птицей на вершине. Еще одно древо жизни (а бывало, и круг солнца) можно было увидеть на двери деревянного пристроя к печи (голбца), через которую попадали в подполье. Эту дверь особенно важно было украсить, так как считалось, что в подполье обитает домовой - хранитель дома, с которым надо жить в согласии.

На стенке голбца обычно изображали вазон с кустом цветов, встречались также и бытовые сценки, где действовали люди, звери, птицы. Тут же мастера оставляли свой автограф и дату.

Форма и размеры красочных панно выбирались соответственно поверхности. Поэтому на стенах и простенках обычно изображались целые «сады». А брус над полатями (нарами для сна под потолком между печью и стеной) и грядки (доски, прибитые к полке, отделяющей кухню от избы) расписывали вытянутыми по горизонтали гирляндами или букетиками из цветов и ягод. На потолке размещали солнце, круги с наугольниками, венки.

Чулан, где хранилась одежда и съестные припасы семьи, расписывался особенно ярко, со значением. Объемный пышный вазон, из которого тянется живописный куст с цветами и плодами, выражал надежду хозяев на богатый урожай и достаток в доме.

В подполатном углу изображались вазы с пышными разрастающимися кустами плодов и цветов, на вершинах или в центре которых по обеим сторонам обязательно размещались характерные рисунки - пернатая супружеская пара или львы в паре с птицами-павами. Стены подполатного угла часто смотрелись пышными коврами в красивом живописном оформлении. Сами полати окрашивались в спокойные уравновешенные цвета, в центре часто размещали большое желтое солнце.

Небольшие простенки красного угла декорировались просто: несложные, приглушенные по цвету и аккуратно выполненные композиции, вазон с кустом либо ветка. Мотивы зверей, птиц здесь неуместны - нельзя отвлекать внимание от расположенной вверху, над красным углом, божницы.

Из мебели в избе расписывали обеденный стол, посудный шкаф и комод, который стоял в простенке на лавке или на полу, как бы отделяя избу от кухни. Цветочным орнаментом расписывалась лицевая часть шкафа у комода же, как правило, разделывались боковые стенки под мрамор или под орех. В центре столешницы обеденного стола на красном фоне изображался зеленый круг - символ жизни - с желтой окантовкой. Углы столешницы тоже окрашивались в желтые цвета.

Ремеслом живописца-красильщика владел далеко не каждый крестьянин. Красильному делу начинали учить мальчиков девяти-десяти лет. Научиться приемам кистевой росписи считались делом не сложным: для этого, полагали, достаточно проработать один сезон. Сложнее приобретались ремесленные навыки: умение варить олифу, окрашивать большие поверхности, растирать краски. К шестнадцати-семнадцати годам осваивали все тонкости ремесла. .

1.3 Камнерезное искусство Урала

На Урале каменные вещи стали изготавливать в эпоху классицизма, хотя камнерезное производство начали налаживать еще при В.Н. Татищеве. К концу 18 века в результате деятельности экспедиции по розыску цветных камней здесь было открыто много новых месторождений мрамора, яшмы и других пород. К этому же времени на Урале сложилось основное ядро мастеров и камнерезное искусство стало потомственным делом.

В течение почти всего 18 века крупные заказы выполнялись из более мягкого, чем яшма или агат, мрамора. В частности, уральцы сделали из него мраморные детали - ступени, плиты, поручни, колонны - для Смольного монастыря, Петергофа и многих построек Царского Села, а также множество деталей и украшений для знаменитого Мраморного дворца в Петербурге, построенного по проекту архитектора А. Ринальди. Из твердых пород (мурзинских топазов, сердолика, горного хрусталя) производили в 18 веке только мелкие предметы - печати, мундштуки, табакерки, рукояти для кортиков и т.п.

С 1780-х годов Екатеринбургская шлифовальная фабрика полностью перешла на обработку твердых пород, а здешние мастера стали уверенно браться за сложные в производстве округлые формы.

Процесс обработки камня был трудоемким и многоступенчатым, изготовление изделий требовало осторожности и особой тщательности. Например, собираясь делать чашу из 1000-пудового монолита розового орлеца (родонита), екатеринбургские специалисты писали заказчику: «Камень этот, имеющий черноватые прослойки, не может обрабатываться отсечкою, хотя ускоряющей работу, но могущей раздробить камень по прослойкам, поэтому чаша, по получении заказа, может быть изготовлена не ранее четырех лет». В действительности же на изготовление этой вазы ушло не четыре, а десять лет упорного труда.

Сначала камни подвергали обсечке стальными инструментами и резали пилами из листового железа. Если готовилось круглое изделие, то начальная обработка велась трубами или цилиндрами, также сделанными из листового железа. Пилы и сверла во время работы смачивались водой и наждаком. Так камень получал первое грубое оформление. Затем он поступал в детальную обработку на «обшарном» станке: камень прижимался винтами к вертящемуся деревянному шкиву. Камень, предназначенный для круглого изделия, напротив, укреплялся в центре, вращался вокруг своей оси и получал форму от соприкосновения с терками и брусками. После поделочной обработки приступали к шлифовке и полировке. Шлифовали наждаком и медными терками. Полировали оловянными терками или шкивами с треплом.

Для вещей, стенки которых украшались рельефными изображениями, делали сначала по рисунку модели из воска. После фигуры рисовались на камне медным карандашом, намечались резцом и уже, затем вытачивались, шлифовались и полировались.

Однако этот метод годился для изделий из мрамора, родонита, яшмы и не очень подходил для выявления особой красоты малахита и лазурита.

Между тем изделий из малахита Екатеринбургской гранильной фабрикой было выпущено и отправлено в Петербург очень много. Урал обладает лучшими и богатейшими в мире месторождениями малахита. На Гумешевском руднике около Полевского завода добывались куски до 1500 килограммов весом, а на руднике Меднорудянском в районе Н. Тагила была открыта глыба в 25 тонн. Впоследствии эта глыба, разбитая на куски весом по 2 тонны, была использована на облицовку знаменитого малахитового зала Зимнего дворца. Для изготовления малахитовых и лазуритовых изделий уральскими мастерами использовалась техника так называемой «русской мозаики».

Оказывается, огромные малахитовые вазы или столешницы изготовлены не из целого куска малахита: их объем делают из змеевика, мрамора или другого камня. Природные особенности малахита - обилие крупных и мелких пустот, посторонних включений, ноздреватость заставили в работе с ним отказаться от привычных представлений о все фасадной красоте камня, позволяющей выделывать объемные вещи. Малахит нарезают на тонкие плитки и пользуются им как облицовочным материалом: оклеивают приготовленную форму круглую, если это ваза, или плоскую (столешница). На Западе такой прием - оклеивание простого камня пластинками дорогих пород был известен давно, однако оригинальность «русской мозаики» заключалась в том, что оклеивались вещи и с закругленной поверхностью: вазы, колонны, вещи с рельефной орнаментацией, а главное - колоссальные по размеру предметы. (Приложение А, рисунок А.2).

Изделия из малахита, лазурита и яшмы, сделанные способом русской мозаики, были гордостью уральцев. В середине XIX века развивается повальная мода на малахит в отделке интерьеров: в 1830–1840-е годы из камня, употребляемого ювелирами, малахит превратился в материал архитектурного декора. Художник А. Венецианов в одном из частных писем писал о создании «малахитовой комнаты» в заново отделываемом (после сильного пожара) Зимнем дворце: «Дворец чуть-чуть не кончен (я еще не был), и в нем будет малахитовая комната - малахит в перстнях носили, помните?» .

В середине 18 века в Екатеринбурге кроме изделий из мрамора делаются первые шаги по обработке твердых пород и изготовления из них различных художественных предметов. В 1750–1760-х годах расцветает мода на табакерки, к каждому костюму полагалась определенная табакерка, выполненная из самых разнообразных материалов: металла, кости, фарфора и проч. На Урале в больших количествах изготовлялись каменные табакерки.

В 1754 году ученики на Екатеринбургской «мельнице» под руководством И. Сусорова работали над изделиями более сложными по своим формам, чем табакерки, чарками и подносами разных форм из темно-зеленой яшмы и др. Освоение техники обработки твердых пород камня продолжается и в последующие годы под наблюдением С. Ваганова. В 1769 году уже обрабатывались небольшие круглые чаши из красного агата, голубых и черных яшм. В эти годы впервые встречаются сведения о том, что чаши делались «с выемкой нутра», т. е. полые. В производстве встречались и неожиданные изделия, например столовые ложки из красной яшмы.

С 1780-х годов Екатеринбургская шлифовальная фабрика полностью переходит на обработку только твердых пород. В начале сентября 1782 года из Петербурга был получен приказ об изготовлении ваз и специальные рисунки. Для каждого рисунка подбирались подходящие камни, главным образом яшмы темных, сдержанных цветов. Классицизм с его культом четкости и архитектоничности форм определяет стиль уральских изделий 1770–1780-х годов. В середине 18 века произведения уральских мастеров еще не играли такой роли в убранстве интерьера, как в завершающие век десятилетия, когда интерьеры украшают каменные статуи, вазы, торшеры. В 1780-х годах фабрика в Екатеринбурге начинает создавать каменные вазы, которыми прославилась история русского камнерезного дела.

Наибольший расцвет производства на Екатеринбургской фабрике приходится на первую половину 19 века. В эти годы каменные вазы, чаши, обелиски и торшеры создавались по проектам крупнейших российских архитекторов. Лучшие изделия фабрики неоднократно демонстрировались на всемирных выставках в Европе, получали высшие награды. .

1.4 Уральское чугунное литьe

Если вспомнить, какие чугунные изделия находятся в нашем ближайшем повседневном окружении, то первой в этом немногочисленном списке окажется обыкновенная ванна - предмет бытовой и к искусству прямого отношения не имеющий. Казалось бы, и сам чугун - материал довольно прозаичный. Между тем, мало кто на Урале ни разу не встречался с обыкновением украшать домашние и служебные интерьеры с помощью чугунных изделий. Вспомните – бесчисленные литые чугунные охотничьи собаки, показывающие всем нос черти, фигурки Дон-Кихота и бюсты композитора Чайковского и по сей день стоят на письменных столах, книжных полках, на комодах и фортепиано в уральских домах и конторах.

На Урале путь от будничных вещей (горшков, котлов, печных заслонок, колес, наковален и колод для держания воды - ближайшей родни наших ванн) к предметам художественного ширпотреба и обратно чугун проделал примерно за два столетия. В течение этого времени были у чугуна свои взлеты и падения, и все-таки этот «прозаический» материал сумел показать себя в искусстве и с лучшей своей стороны.

Проблема чугуна как материала искусства настолько волновала русскую общественность, что даже Н.В. Гоголь откликнулся на нее в своей статье «Об архитектуре нашего времени», написанной в 1831 году. Гоголь выказал себя настоящим поклонником чугуна и восторженно описывал его эстетические возможности: «В нашем веке есть такие приобретения и такие новые, совершенно ему принадлежащие стихии, из которых бездну можно заимствовать никогда прежде не воздвигаемых зданий. Возьмем те висящие украшения, которые начали появляться недавно. Пока еще висящая архитектура только показывается еще в ложах, балконах и небольших мостиках.

Но целые этажи повиснут, если перекинутся смелые арки, если массы вместо тяжелых колонн очутятся на сквозных чугунных подпорах, если дом обвесится снизу доверху балконами с узорными чугунными перилами и от них висящие чугунные украшения, в тысячах разнообразных видов, облекут его своею легкой сетью, и он будет глядеть сквозь них, как сквозь прозрачный вуаль, когда эти чугунные сквозные украшения, обвитые около круглой, прекрасной башни, полетят вместе с нею на небо, - какую легкость, какую эстетическую воздушность приобретут тогда дома наши!».

И действительно, чугун нашел свое применение прежде всего в архитектуре. Причем на Урале это произошло еще в 18 веке, задолго до известной нам дискуссии в столичной прессе о его художественных достоинствах и недостатках. Яркий тому пример - знаменитая падающая башня в Невьянске - владении Демидовых, где в первой половине 18 века было сосредоточено крупное металлургическое производство. Из чугуна здесь отлиты все оконные и дверные коробки, а пол и карнизы башни покрыты чугунными плитами. Кстати, двор заводской конторы в Невьянске также выстлан чугунными плитами, а само здание конторы обнесено с двух сторон чугунными узорчатыми решетками. Решетки эти, кстати, были не черными, а выкрашенными в разные цвета - сказалась традиционная любовь русских к многоцветью (а среди здешних мастеров было немало старообрядцев, бежавших сюда из центральной России и твердо сохранивших приверженность дедовским заветам).

Почему столь активное использование чугуна началось прежде всего в уральской архитектуре, вы, наверно, догадались сами. Ведь здесь было сосредоточено огромное число металлургических заводов. И чугунное литье (а на него уходила только часть продукции любого металлургического предприятия) выпускалось на многих уральских заводах, как частных, так и казенных - на Каменском, Кушвинском, Верх-Исетском, Каслинском, Чермозском, Нижнетагильском, Билимбаевском и многих других.

Чугунные архитектурные детали еще в 18 веке использовались не только для уральских построек, но и в большом числе отправлялись в Москву и Петербург. А в 20–30е годы этого столетия в столицах были популярны чугунные камины, отлитые в Екатеринбурге. Отливали их, конечно, не целиком, а по частям: ведь общий вес такого камина достигал 36 пудов. Кроме того, в 1730-е годы из Екатеринбурга в Петербург отправляли крупные партии чугунного узорчатого литья, то есть чугунных решеток. Таким образом, уральское художественное литье имело непосредственное отношение к чудесному превращению Петербурга из города-крепости в город дворцов, превращению, которое произошло как раз в эти годы.

Разумеется, особняки заводчика Демидова и в Петербурге на набережной реки Мойки, и в Москве, и в его имении Петровском были наполнены образцами чугунного литья. Слободской дом Н.Н. Демидова в Москве стал уникальным музеем уральского художественного литья 18 века. Чугунные вазы, пьедесталы, решетки, тумбы, половые плиты отливали в 60-е годы в Нижнем Тагиле. Демидов крайне торопил тагильчан с выполнением заказа, требуя как можно скорее отправить готовые отливки в свой московский дом.

Итак, чугунный узор украшал балконы, лестницы, сады, заводские цеха. Из чугуна делали решетки, диваны, столики, кресла, вазы, парковые скамейки.(Приложения А, рисунок А.3). Но все это примеры применения чугуна в архитектуре. Ведь не случайно столько веков скульпторы пользовались для своих работ благородными мрамором и бронзой.

Во-первых, чугунные статуи уже существовали. Еще в 1760-е годы в Нижнем Тагиле были отлиты аллегорические статуи для Слободского дома Демидова в Москве. Несмотря на все возражения, прекрасная моделировка формы говорит о том, что чугун может быть выразительным и пластически подвижным материалом в умелых руках.

В самом деле, изготовление статуй и бюстов, требующих сложной формовки, уральским мастерам было не так легко освоить. Ведь их навыки по отливке плит и решеток предполагали простые способы формовки, а скульптура - искусство объемное и требует более высокого мастерства в создании сложных литейных форм. Однако со временем литейщики достигли большого мастерства, и 1820-х годах на уральских Пашийских заводах были даже отлиты две конные группы, повторяющие знаменитые скульптуры П. Клодта на Аничковом мосту в Петербурге. Их поставили у конного двора в Кузьминках под Москвой, принадлежавших вначале Строгановым, а затем Голицыным. Первая группа изображала коня, поднявшегося на дыбы, и сильного юношу-возницу, уверенно удерживающего порывистого скакуна. Во второй группе стремительная порывистость выражалась с еще большей силой: юноша, стоящий спиной к зрителю, бросался навстречу коню, укрощая его.

К середине 19 столетия расцвет архитектурных и монументально-декоративных форм чугунного художественного литья завершился. Во-первых, закончилась эпоха большого государственного стиля - классицизма, и все грандиозное стало уступать место камерному. В моду входили изделия из чугунного литья небольших размеров, поэтому заводам нужно было налаживать массовый выпуск мелких художественных вещей. .

1.5 Гончарство и глиняная игрушка

До начало 20 века на территории, ныне входящей в Челябинскую область, основное ремесло занятий было связано с обработкой древесных материалов (древесины, прутьев, лыка, бересты), глины, растительных волокон (льна, конопли), волокон животного происхождения (овечьей шерсти, козьего пуха), металла. Плотничество было повсеместным занятием. Практически каждый взрослый крестьянин мог срубить дом и хозяйственные постройки. В каждой деревни были искусные столяры, изготовлявшие вручную (простыми инструментами) домашнюю утварь, ткацкие станы, сельхоз инвентарь, телеги, сани, лодки, двери, оконные рамы, мебель, декоративные элементы домовой резьбы, прялки, вальки, швейки. Для изготовления веретен, украшений для мебели, оконных карнизов и другие, использовались токарные станки с колесным приводом, чаще всего на них работали заводские мастера-модельщики (в т.ч. каслинские). Во множестве южноуральских городах и селах существовало гончарное производство; в Челябинске - мастерская гончарных изделий Ложкина (на Западном Бульваре), кустарные горшечные сараи (близ Красных казарм и др.). Мастера обычно брали глину с определенного («своего») места; в основном женщины и дети мяли её ногами (до достижения полной однородности); мастера-мужчины на самодельных ножных гончарных кругах изготавливали сосуд, который затем обжигали в горнах и декорировали.(Приложение А, Рисунок А.4). Широко распространенные поливные изделия покрывались легкоплавкими свинцовыми глазурями или стекловидными сплавами. Для изготовления игрушек глину раскатывали в лепешку и сворачивали на пальце в «пустышку». До 1950-х гг. гончарное мастерство действовали в Чебаркуле (Варламово, Кундравы, Шабунина), в Верхнеуральске.

Обилие месторождений глины было отмечено И.И. Лепёхиным, П.И. Рычковым, И.П. Фальком в ходе академических экспедиций 18 века «весьма белую, чистую» фарфоровую глину, добывавшуюся у озера Мисяш, в 18 веке поставляли на Императорский фарфоровый завод в Санкт-Петербург. Каолиновую белую глину добывали в 5 верстах от крепости Карагайской (территория современного Уйского района), у села Долгодеревенского (близ Челябинска), реке Миасс и Увелка. Центры гончарства формировались у Кочкаро-Демаринского (современный Пластовский район), Городищенского (Карталы).

Месторождения у крепости Губерлинская, Магнитная, Кизильская, где имелись залежи глины. Фальк отмечал, что горшечная глина «желтоватая, серая, беловатая, белая и синеватая находится везде». Гончарный промысел получил развитие среди населения слободы Верхнеувельской (Варламово), село Кундравы, деревня Шабунино; из Бродокалмака распространился на Южном Западе среди жителей села Долгодеревенское, Есаульское, Миасское (терр. Челябинского уезда); на Южной губернии - в Варне, хутор Красный Яр (с 1906 поселок Агаповский), станице Полтавской (современные Карталы). С середины 19 века был широко распространен в Верхнеуральске, Оренбурге, Троицке, Челябинске. К началу 20 века в Оренбургской губернии было зафиксировано 43 гончарных хозяйства (без учёта небольших мастерских). Ремесленники специализировались как на гончары или горшечники; выделялись мастера, подмастерья и ученики. Из белой и красной глины мастера изготовляли сосуды традиционных видов (горшки, корчаги, крынки, кружки, кувшины (Приложения А, рисунок А.5)), отличающиеся многообразием конфигурации и цветового решения поливы, объемами, пропорциями, пластичностью лепки. .

2.1 Каслинское литье

Возникновение уральского чугунного художественного литья, затем столь прославленного, весьма прозаично и буднично. Оно было связано с необходимостью удовлетворить самые насущные потребности и местного населения и уральской промышленности. В продукции уральских заводов первых десятилетий 18 века большое место занимают различные чугунные предметы домашнего обихода. С началом деятельности Екатеринбургского завода на нем успешно отливают чугунные горшки, котлы, чугунные заслонки к печам: к избяным они делались круглые, для горниц - четырехугольные. В первой трети 18 века чугунное литье находит широкое использование, как в самой уральской заводской архитектуре, так и в промышленном оборудовании. Так, например, под брусьями, на которые устанавливались молотовые горны, отливались фигурные столбы; фигурными были оси и под брусьями, на которых устанавливались фабричные «колошные трубы». На Полевском заводе в 1730–1740 годы изготовлялись чугунные круги, наковальни, колоды для держания воды, ящики, колеса. Уже в этом простом перечне видно разнообразие форм, с которыми приходилось встречаться первым уральским литейщикам - это и крупный нерасчлененный объем массивных наковален и колеса со сквозным рисунком. Таким образом, закладывался фундамент литейного мастерства, выросшего впоследствии в замечательное искусство. Важным фактором, повлиявшим на развитие художественного чугунного литья, стал выпуск на уральских казенных заводах чугунных пушек. На их изготовление шел чугун высокого качества. В технике отливки уральских пушек было немало общего с прежними русскими традициями, характерными для 17 века. Следует указать и на то, что уральские пушкари сохранили не только технические традиции, но и известное стремление к декоративному украшению орудий.

Правда, эти украшения значительно сдержаннее, чем раньше, и не покрывают более пышным узором тела пушек, как в минувшие годы, но все же и не исчезают вовсе. Примером может служить пушка, отлитая на казенном Каменском заводе в 1703 году. Говоря о роли военных отливок в развитии художественного чугунного литья на Урале, нельзя, разумеется, ограничиться только упоминанием встречавшихся в нем различных украшений. Большое значение имело требование безукоризненного совершенства отливки, начиная от получения формы и кончая качеством металла. Эти требования вырабатывали у мастеров чувство формы, тончайшую точность отливки - основу основ художественного литья. Не случайно, поэтому Каменский завод, изготовивший в первой четверти 18 века немало артиллерийских орудий, дал во второй половине столетия образцы декоративного чугунного литья. С годами складываются кадры опытных литейщиков - художников своего дела. Более богатым становится ассортимент литья, усиливается его эстетическая сторона.

Наиболее распространенным видом уральского чугунного литья в 18 веке были плиты и доски. Являясь одной из простейших его форм, они были, однако, весьма различны между собой и по размерам и по рисунку, четко отформованному мастерами. Одни из них имели гладкие, лишенные орнамента поверхности, другие несли рельефные узоры.

В 1740–1750-х годах широко распространены были чугунные намогильные плиты. Их немало находилось в монастырских и церковных дворах, позднее - на уральских тенистых кладбищах. Такие плиты, как правило, представляли собой вытянутый прямоугольник, сплошь покрытый текстом, превращавшим простую чугунную доску в страницу многовековой книги, которую прочитывали сотни людей. При всех вариациях формы намогильные плиты близки друг другу. Они просты, даже более того, скупы по своему декоративному решению.

Главное в них - текст, рассказывающий об умершем человеке, которому и посвящена чугунная намогильная плита. Бурное строительство, которое ведется в России в первой четверти 18 века, требовало от уральских заводов чугунного литья как сравнительно простых, уже освоенных форм, так и более сложных. Литье предназначалось и для внешнего, и для внутреннего убранства зданий.

Чугунные архитектурные детали использовались не только для уральских построек, но в большом числе направлялись в Петербург и Москву. Немалое значение приобрели в интерьерах столичных домов отливаемые в 1720–1730-х годах в Екатеринбурге камины из чугуна. С ростом Петербурга, расположенного на островах, строительством нового типа дворцовых зданий, украсивших петровскую столипу, появилась необходимость в чугунных решетках, опоясывающих каналы и сады, ограждающие вельможные дворцы от шумных улиц. Уральское художественное чугунное литье, украшая в первой половине 18 века Петербург, формировало одну из замечательнейших и своеобразнейших черт его архитектурного облика, так ярко расцветшую впоследствии и неоднократно воспетую поэтами.

Во второй половине 18 века на Урале продолжаются традиции отливки чугунных изделий, сложившиеся в начале века. Распространенные в этот период уральские намогильные плиты, как правило, отличаются очень большим текстом, порой весьма подробно излагающим события жизни умершего. Отливка такой плиты, сохранение ясности рельефа текста требовали немалого искусства.

Чугунное художественное литье находит в русской архитектуре еще более значительное применение. Чудесные решетки черным кружевом обрамили знаменитые парки, создали красивые прозрачные ограды у спокойных и торжественных классических зданий. Самые различные виды художественного чугунного литья - вазы, статуи, парковые скамейки, решетки и т.д. - были использованы и в архитектуре подмосковных усадеб.

В связи с ростом литейного производства, накопившегося к тому времени немалого опыта в отливке художественных изделий на Урале ускорилось и расширилось освоение художественно сложного литья.

Статуи, бюсты требовали очень сложной формовки, которую не так-то легко было освоить уральским мастерам. Плохо выходили вначале складки одежды, слабо выявлялись глубокие впадины и высокие подъемы. Уральские литейщики не сразу смогли отказаться от привычных взглядов, воспитанных навыками по отливке плит и решеток. Сами качества нижнетагильского чугуна мало содействовали созданию полноценной чугунной скульптуры. Но Уральские мастера смогли создать скульптуры такие как, «Дон Кихот» (Приложение Б, рисунок Б.1), «Балерина» (Приложение Б, рисунок Б.2) и т.д. В преодолении всех, подчас немыслимых в условиях крепостного Нижнего Тагила 18 века трудностей, преграждавших уральской чугунной круглой скульптуре путь в русское искусство, надо отметить подлинный трудовой и художнический подвиг литейщиков Н.Тагила и в первую очередь Т. Сизова. К числу лучших произведений нижнетагильского литейщика принадлежат аллегорические статуи, отлитые им в 60-х годах, «Весна», «Лето», «Осень» и «Зима». Это великолепные декоративные скульптуры, овеянные духом искусства барокко с его любовью к могучим потокам драпировок, выразительной пластике подчеркнуто мощных тел. Чугун в этих статуях становится пластически подвижным, полнозвучным. Игра света и теней, иногда очень глубоких, придает чугунным скульптурам сочную живописность. Форма в статуях не замкнута; все четыре фигуры весьма свободно и энергично развернуты в пространстве.

Таким образом, уже в конце 18 века в уральском художественном чугунном литье происходит зарождение новых качественных явлений, которые впоследствии проявятся с особенной силой.

Отмечая значительно увеличившийся на уральских заводах во второй половине 18 века выпуск художественного чугунного литья и его усложнившиеся формы, следует, однако, помнить, что оно было лишь частью основной продукции завода и не определяло его промышленно-экономического профиля. Так, на том же Каменском заводе, на котором были созданы готические ворота, отливались заводские детали и оковы для арестантов. Достижения и успехи, которых достигло искусство Урала в художественном чугунном литье, не только не умирают вместе с отошедшим в прошлое 18 веком, а, напротив, получают дальнейшее развитие в последующем столетии .

2.2 Златоустовская гравюра на стали

Начало гравировальному промыслу в Златоусте было положено немецкими мастерами братьями Шафами. Приехав в начале 19 века на Урал, в декабре 1817 года набрали первых учеников. Шафы добросовестно передали молодым художникам все свои секреты, в том числе золочение через огонь. В традициях Золингена, а именно им и следовали, художники клинок обычно украшался двумя-тремя символическими рисунками. Чаще всего можно было встретить перекрещенное оружие, веточку лавра, рог изобилия. Все это редко составляло единую композицию. А если и делались такие попытки, то разбросанные по клинку пятна рисунков просто объединялись узкой позолоченной рамкой. Техника исполнения была традиционна: рисунки гравировались иглой. Реже на вытравленном поле клинка применялась возвышенная, рельефная позолота. Взгляните на шпагу, хранящуюся в Златоустовском краеведческом музее. (Приложение Б, рисунок Б.3).

С первого взгляда даже трудно понять, что изображено на крошечных рисунках. Тонкие, едва заметные линии, прочерченные иглой, теряются в золоте и синении. Оригинальных работ у Шафов в первый период их работы в Златоусте почти не было. Они копировали рисунки с клинков, которые были куплены в Золингене. Исполнителей и заказчиков это пока устраивало. Способ нанесения золота в смеси с ртутью был известен с глубокой древности. Им, например, с успехом пользовались скифские ювелиры при изготовлении сережек. Отдельные мельчайшие детали украшений не сплавлялись, а как бы склеивались «золотой амальгамою», ртуть затем выпаривалась, и крошечные золотые маковые зерна, образующие узор, «прилипали» друг к другу. Так что «секрету» Шафов не одна тысяча лет.

Конечно же, этот способ нанесения золота на сталь был известен оружейникам Тулы, которые еще в 18 веке наносили на именное оружие золотые надписи.

Кстати, на Златоустовском заводе со дня его основания работало, немало тульских мастеров, и возможно, что золочение через огонь было здесь знакомо и до приезда Шафов.

Основным инструментом Шафов была игла. Перед нанесением рисунка они покрывали киноварью всю поверхность клинка. (Приложение Б, рисунок Б.4). После просушки рисунок процарапывался иглой и вытравливался. Все, можно сказать, в пределах правил, ведь именно так работают все граверы - от Дюрера и Рембрандта до наших современников. А вот Иван Бушуев, один из первых учеников Шафов, начал изменять технику гравировки. Он вместо иглы берет в руки кисть и наносит киноварью рисунок. После вытравки рисунок становится рельефным, так как вся остальная плоскость клинка была протравлена. Такую технику исполнения уже трудно назвать гравюрой. Бушуев привнес в нее нечто такое, что не поддается определению.

Действительно, если в руках художника игла - он гравер, если кисть - живописец. А если он взял в руки кисть, но в остальном остался верен технике гравюры? Поэтому специалисты осторожно называют новую технику исполнения гравюры на стали Златоустовской. С приходом на фабрику Ивана Бушуева и Ивана Бояршинова Златоустовские граверы больше внимания уделяют синению и воронению, добиваясь цветовой гаммы от черного до сине-голубого. Клинок нагревался в горне. Сначала сталь начинала желтеть, потом, как бы наливалась кровью, после чего синела. И в этот момент нужно было угадать будущий цвет клинка в переходах синего и голубого, закрепить его в конопляном масле. Золото русские мастера тоже наносили по-своему, варьируя его толщину в зависимости от задумки: от прозрачных мазков до густых и выпуклых поверхностей. Словом, вскоре Шафы с удивлением обнаружили, что им самим приходится учиться у своих учеников. Судя по их более поздним работам, они не стеснялись это делать.

Клинки, украшенные Шафами в двадцатые годы прошлого века, значительно отличаются от их первых работ. Рисунки стали раскованнее, в них наметилось композиционное единство деталей, широкими и смелыми стали мазки золота. В Златоустовском краеведческом музее хранятся шпага и сабля Шафов того времени. (Приложение Б, рисунок Б.5). На сторонах клинка шпаги четкий золотой узор, он тонко проработан, отдельные рисунки: орнамент, дубовые веточки, звездочка, в которой помещен вензель Александра I, - все это объединено единым ритмом. Но особенно интересна сабля. Она посвящена Отечественной войне 1812 года. В клеймах, окруженных сложным орнаментом, летопись боев от Москвы до Парижа. В такой же манере выполнена шпага А. Закревского, находящаяся в Государственном Историческом музее (Москва). Надо сказать, что Шафы, по существовавшей в то время традиции, ставили на работах учеников свои подписи. И сейчас трудно установить подлинное авторство. Интересная с этой точки зрения работа хранится в Златоустовском краеведческом музее. Клинок украшен орнаментом - сложным и пышным, в золоченой рамке фигура воина в древнегреческих доспехах. На обухе клинка возле эфеса надпись «Златоуст. Г. Гра». Но ведь документально установлено, что Гра был полировщиком и никогда не занимался гравированием. Скорее всего, Гра поставил свою подпись так же, как ставили Шафы свою подпись на работах русских художников. А кто же украшал клинок? Судя по технике исполнения, сочетающей в себе тонкость, изящество и смелость композиционного построения, Бушуев. Но так ли было? На это пока никто не ответил. В музеях страны хранятся десятки сабель, палашей и шпаг тех лет, многие из которых не имеют подписи автора - художника, на них просто - «Златоустъ». И, может быть, при тщательном изучении нас ждут удивительные открытия. С 1818 года Шафы практически отстранились от дел, уступив руководство своему ученику Ивану Бушуеву.

И хотя формально все еще возглавляли отделение украшенного оружия, но чувствовали, что их «золотая пора» миновала. В 1823 году в прошении на имя министра финансов об увольнении с фабрики Николай Шаф писал: «Коренной Золингенский завод не в состоянии приготовить такого оружия, какое уже сделано было в Златоусте». В том же году Шафы оставили Златоуст и переехали в Петербург, где открыли свою мастерскую. В их работах того периода особенно заметно влияние молодой, уже русской, Златоустовской школы гравюры на стали. Та же ясность и четкость композиции, богатая цветовая палитра. Клинки с клеймом «Шаф и сыновья» можно встретить во многих музеях страны .

П. Свиньин писал в 1825 году: «Оружейная фабрика - главнейшая достопримечательность Златоуста, предмет, достойный обратить на себя внимание всей просвещенной Европы...» В словах нет преувеличения. Именно тогда, в основном, сложился стиль Златоустовской гравюры на стали. Именно в те годы она получила заслуженное признание не только в России, но и за ее пределами. Творчество Ивана Бушуева и Ивана Бояршинова на многие годы вперед определило развитие нового искусства. Декоративная выразительность, композиционное и стилевое единство, разнообразие сюжетов, глубокий реализм их работ стали примером для художников второй половины 19 века, своеобразной стартовой площадкой в последующих поисках. Но, следует сказать, Златоустовское оружие славилось не только украшением. Металл самого высокого качества - отличие клинков с Урала. И здесь место рассказать о трудах горного начальника Златоустовских заводов Павла Петровича Аносова. Он обладал глубокими знаниями инженера-металлурга и неутомимой душой искателя. Когда речь заходит об Аносове, обычно он ассоциируется с булатом. Во многом тому способствовали сказы Бажова и легенды, которые долгие годы окружали имя ученого-металлурга. Они полны романтических тайн и счастливых случайностей.

Есть в них разноцветные узоры восточных базаров, синие горы и бескрайние степи с башкирскими и киргиз - кайсацкими юртами, смуглыми красавицами в монистах, стариками в лисьих малахаях. И за этой яркой занавесью легенд стоит огромный труд, бесчисленные опыты по выплавке стали, тщательное изучение восточных клинков, предшествовавшие получению булата. Ведь, по сути, именно Аносов стоит у истоков отечественной научной металлургии, качественного сталеварения.

Булат ввозили из стран Востока в готовых клинках или слитках. Сталь эта имеет сложную структуру, отличается высокой упругостью и, кроме того, допускает предельную отточенность. Эти-то вот свойства и ценились оружейниками всех времен. Особенно широко был распространен сварочный булат. Для его приготовления использовали полосовое железо, которое разрубалось на равные части. Затем бралась полосовая сталь и складывался в своем роде «слоеный пирог»: железо, сталь, железо. «Пирог» этот сваривали, выковывали, полученные полосы вновь складывали, раскалив их в горне и обсыпав чугунными опилками, выковывали новую полосу, складывали впятеро и снова сваривали. Откованный и заточенный клинок закаливали по особому рецепту. Как видим, сварочный булат получить было не так просто. «Литой булат» был менее трудоемок: особым способом отжигали литую сталь. Но последний, не уступая сварочному в твердости и гибкости, имел гладкую, блестящую поверхность, в то же время, как и сварочный булат, отличался красивым волнообразным рисунком. Златоустовские мастера под руководством Аносова не только научились варить булатную сталь обоих видов, но и значительно улучшили технологию ее получения. Итогом десятилетней работы стала знаменитая книга П.П. Аносова о булатных сталях. Большое внимание Аносов уделял поискам новых технологий украшения клинков.

Поиск шел и на оружейной фабрике, и в иных местах. В 1834 году эфесный мастер Василий Южаков и клинковый кузнец Карп Вольферц с двумя рабочими Дятловым и Ивановским по заданию Аносова отправились на Кавказ. Там Вольферцу предстояло у оружейного мастера Карамана Элиарова освоить технологию получения сварочного булата, а Южакову изучить искусство насечки и чеканки. Кавказская природа, гордые и искусные во многих ремеслах люди, населявшие край, очаровали уральских мастеров. Подолгу разглядывали они кувшины и блюда знаменитых чеканщиков и с большим пристрастием - оружие. Тонким затейливым узором бежала по клинкам серебряная насечка. Казалось, что не руки мастера создали этот узор, а родился он вместе с металлом в огненном чреве горна. Вернувшись домой, Южаков с жаром принялся внедрять новое дело. Насечка серебром и золотом требовала колоссального терпения. Один из наиболее искусных мастеров насечки Василий Николаевич Костромин (работал на оружейной фабрике в конце 19 века) за двенадцатичасовой рабочий день едва успевал покрыть тончайшим узором квадратный дюйм сабельного клинка. Не каждому удавалось освоить искусство насечки, хотя на первый взгляд технология ее проста: на поверхности стали делаются углубления и заполняются серебряной или золотой проволочкой толщиной до 0,2 мм. Месяцы кропотливого труда уходили на украшение одного только клинка. П.П. Аносов стремился расширить технические возможности украшения оружия. В год поездки уральских мастеров на Кавказ по его указанию Иван и Егор Бояршиновы побывали в Петербурге, где ознакомились с новыми приемами художественной обработки металла. В 1845 году в Петербург отправляется Дмитрий Лукин. Почти год обучался он гравировке и золотой насечке, приемам украшения изделий из металла у придворного оружейника Орлова. А незадолго перед этим в столице по поручению Аносова в 1841–1842 годах побывал Николай Худяков.

У серебряных дел мастера Соловьева он осваивал чеканку и наведение черни на серебро. Изучая минералогические богатства Южного Урала, Аносов обратил внимание на самоцветные камни. Их стали применять в своих работах мастера эфесного отделения. Так родилось творческое содружество художников-граверов, огранщиков и камнерезов. Павел Петрович, возглавляя в двадцатых-тридцатых годах 19 века оружейную фабрику, очень много сделал для ее развития. Горячо убежденный в том, что и искусство должно служить самым широким слоям народа, он считал, что простым людям не нужны дорогие клинки, сверкающие золотом кирасы. Вот если поднос, столовый прибор, ларец или подсвечник... В 1839 году на выставку изделий отечественной промышленности в Петербурге, помимо украшенных ятаганов, палашей и сабель, златоустовцы отправили зеркала и подносы. На одном из подносов был изображен Златоустовский завод. Были на выставке и столовые приборы с ручками из яшмы, орлеца, ляпис-лазури. В 1846 году Аносов едет по делам в Петербург, он представляет на просмотр большое количество украшенных бытовых изделий. Выделялась шкатулка из литой стали с изображением пяти дворцов: Зимнего, Кремлевского, Мариинского, Царскосельского и Петергофского. Надеялся Павел Петрович заинтересовать в уникальном искусстве златоустовцев как можно более широкий круг влиятельных лиц и получить разрешение на широкое производство гравированных изделий. Но все кончилось лишь восторженными возгласами. А ведь современники высоко оценивали златоустовских мастеров. И не только в России. Известный в прошлом веке английский геолог и путешественник Родерик Мурчисон, который посетил Златоуст в 1843 году, писал: «...отковываемые из выделываемой по способу г. генерал-майора Аносова литой и дамасской стали, искусно украшенные и изящно оправленные клинки превосходят все виданное нами в этом роде» .

Мурчисон ссылается на мнение своего коллеги, который говорил о Златоустовской оружейной фабрике: «Довольно сомнительно, найдется ли хотя бы одна фабрика в целом мире, которая выдержала состязание со златоустовской в выделке оружия... изящно отделанные из дамасской стали кинжалы и сабли, полученные нами от господина Аносова, вполне оправдывают основательность... похвалы. Эти изделия и стальной поднос, богато украшенные золотой насечкой... возбудили в Англии всеобщее удивление». Вот так - всеобщее восхищение и отказ правительственных чиновников на расширение производства.

Есть среди надписей и наказы златоустовских мастеров будущему владельцу оружия. Например: «Без нужды не вынимай, без славы не вкладывай». Встречаются надписи, напоминающие о славных победах русского оружия: «Знают турки нас и шведы, и про нас известен свет на сраженья, на победы». Необычная сабля хранится в Артиллерийском историческом музее (Санкт-Петербург). Украшена она была в подарок генералу Гернгроссу. На обеих сторонах клинка-миниатюры, посвященные маневрам русских войск, охранявших Восточно-Китайскую железную дорогу. В 1909 году цех был закрыт, но художники любимое дело не бросили, а продолжали украшать охотничьи топорики, ножи и кинжалы, разнообразные столовые приборы дома, объединившись в артели. Златоустовские оружейники получили немалые награды на выставках как в стране, так и за рубежом: Лондон, 1851 год - бронзовая медаль; Лондон, 1862 год - серебряная медаль; Париж, 1867 год - две серебряные медали; Вена, 1873 год - серебряная медаль; Париж, 1878 год - золотая медаль; Москва, 1882 год - золотая и серебряная медали; Копенгаген, 1888 год - похвальный отзыв; Чикаго, 1893 год - большая бронзовая медаль; Стокгольм, 1855 год - золотая медаль; Нижний Новгород, 1896 год - золотая медаль. Даже после закрытия цеха златоустовская гравюра была отмечена на выставке в Омске в 1911 году золотой медалью. .

2.3 Художественная обработка меди

Значительное развитие в уральском искусстве 18 века получила медная посуда, украшенная орнаментом. Необходимость изготовления медной посуды, так же как бытового чугунного литья, диктовалась самой жизнью: возрос спрос населения Урала на предметы быта. По специальному указу от 1728 года она должна была изготовляться и для Сибирской губернии, где в ней также ощущалась большая нужда. Производство медной посуды в Екатеринбурге возникло в первой четверти 18 века. Уже в феврале 1729 года из Казани был прислан мастер Степан Миронов. Но одного Миронова было мало для стремительно развивающегося уральского посудного производства. Намечался широкий выпуск посуды для продажи. Нужно было еще «мастеров хорошего искусства двух-трех или четырех человек». Когда С.Миронов прибыл в Екатеринбург, к нему как к мастеру, хорошо знающему свое ремесло, были направлены ученики. Обучение проходило в определенной последовательности. Вначале ученики находились у расковки меди на котлы и чаши. Но перед ними стояла и более высокая задача: они должны были научиться делать различные сосуды со сложной конфигурацией, отличающейся разнообразием профилей и объемов.

Изготовление медной посуды не было только какой-то особой принадлежностью одного Екатеринбургского завод. (Приложение Б, рисунок Б.6). На многих частных уральских заводах с успехом было освоено ее производство. При Невьянском заводе к 1748 году были выстроены специальные здания, где делали разную медную посуду. Изготовляли медную посуду и на других заводах Демидовых - Быньговском, Суксунском и др. Высокими качествами отличалась посуда, выпускаемая Игринскими заводами Ивана Осокина. Широкую известность получила посуда, изготовленная уральскими мастерами на Троицком заводе, расположенном неподалеку от Соликамска и принадлежащем А. Ф.Турчанинову.

Это было по тем временам крупное предприятие: только на одних подсобных работах трудилось до 300 человек.

Процесс создания медной посуды подразделялся на три самостоятельных этапа: приготовление заготовок, самого сосуда, украшение изделия орнаментом. На Урале была использована известная издавна техника производства подобной медной посуды. Вначале специально изготовлялись тонкие листы сферической поверхности, которые потом переделывались ручной чеканкой в медную, покрытую узором посуду. Листы изготовлялись при помощи молота весом 50-80 кг, который имел форму песта с закругленной головкой, и на наковальне с вогнутой поверхностью. Передвигая листы по такой наковальне, мастер получал заготовку -полуфабрикат - лист меди, имеющий форму полушария. Вытянутые в прямолинейную форму медные листы обрабатывали на наковальне ударами молота. Молоты и наковальни были различны по форме, применялись и специальные чеканы. Для работы внутри сосуда «имелись молотки и подвижные наковальни особой формы, на Урале называвшиеся «кобылинами». На такую наковальню надевали сосуд и обрабатывали его молотками или чеканом. Массивные части сосудов (ручки, носики и др.) выливались в формах, а затем припаивались. Изготовленная посуда подвергалась художественной отделке. Лучшие ее образцы свидетельствуют о техническом совершенстве и высоком вкусе уральских мастеров, любовно украшавших кувшины, чаши, солонки хитросплетенным узорчатым рисунком. Богатый насыщенный орнамент украшал не только декоративные произведения из меди, целью которых было придать жилищу нарядный вид, но и те, которые предназначались для повседневного житейского обихода. Техника нанесения орнамента была различна. Иногда орнаменты чеканились или гравировались резцами, но можно часто встретить и узор, вытравленный кислотой.

Порой для большего декоративного звучания использовалась чернь, она давала своеобразный эффект в сочетании с цветом самого металла, из которого делалась посуда.

Нельзя не отметить стремления уральских мастеров сочетать чеканку с рельефом. В этом случае узоры выбивались не с внешней, а с внутренней стороны предметов и становились рельефно-выпуклыми.

Первые уральские изделия из меди не отличались богатством декоративных форм, как правило, они были лишены орнаментальных украшений. Это было обусловлено, естественно, самой начальной стадией освоения производства. Но с другой стороны, тут отразилась и простота петровского быта, те изменения, которые происходят в эту эпоху в русском декоративно-прикладном искусстве. Известны, например, указы, которые очень ограничивали изготовление изделий из серебра. Но даже если при Петре I и делались заказы на серебряную посуду, то она была лишена украшений. Таким образом, как само возникновение производства украшенной медной уральской посуды, так и принципы ее художественной отделки были непосредственно связаны с характером русского прикладного искусства первой четверти 18 века. В этих простых, неиспещренных чеканным рельефом объемах, отливающих на свету ровным, спокойным желтовато-красным цветом, была своеобразная красота, они вносили в интерьер ощущение уютного покоя и благополучия.

К 1740–1760 годам медная посуда достигает удивительного разнообразия. Живут старые традиционные братины, ендовы, выпускаются блюда, подносы, стопы, ларцы. Но происходит усложнение и обогащение декоративных мотивов. В отличие от прежних десятилетий появляется узорчатая орнаментированность, которая значительно варьируется, хотя внешние формы остаются прежними.

Конечно, понимание законов построения орнаментов, украшение изготовленного предмета не всегда носили творческий характер. Здесь была велика роль традиций в искусстве, значение старшего мастера, передававшего свое умение, в свой черед воспринявшего эти традиции в далеком прошлом, роль аналогичных изделий, которые могли служить образцами.

Вместе с тем, мастера по изготовлению медной посуды с вычеканенным орнаментом не только усваивали пройденное, но и создавали свое искусство. Это свое во многом определилось, как и в других видах уральского декоративно - прикладного искусства, умением глубоко, всесторонне раскрыть декоративные возможности материала. На некоторых заводах в 18 столетии мы видим попытки наладить выпуск художественных бытовых изделий: люстр, подсвечников и других.

Качество подобных изделий было настолько высоко, что с Турчаниновым был заключен в 1755 году контракт на изготовление в покои дворца, находящегося в Царском Селе, на кронштейны светильников специальных чашечек с двумя рожками для свеч. Всего таких чашечек нужно было сделать две тысячи штук. После их изготовления на Урале они были вызолочены и отданы архитектору В. Неелову для постановки в дворцовых покоях. Урал в 18 веке был важнейшим центром художественной обработки меди в России .

художественный промысел урал камнерезный

3.1 Пуховый платок

Визитная карточка Оренбуржья - Оренбургский пуховый платок - традиционный промысел, которому нет равных - и не только в России! – представлен мастерами Оренбурга. Оренбургский пуховый платок... Даже в звучании этих слов чувствуется необъяснимая прелесть, теплота, певучесть. Вряд ли найдется в России человек, который бы никогда не слышал об этом уникальном рукотворном изделии.

Оренбургский платок - своеобразный символ, «визитная карточка» Оренбуржья (Приложение В, рисунок В.1). Это такое же чудо, как гжельская керамика или вологодское кружево, хохломская роспись или дымковская игрушка.

Более 200 лет вяжут пуховые платки в станицах, деревнях и селах нашего степного края. Уже в середине 19 века работы казачек представляли оренбургский промысел на международных и российских выставках. Оренбургские пуховые платки не раз были удостоены высоких наград: 1851 г. - медали первой Всемирной выставки в Лондоне, 1862 год - медаль Всемирной выставки в Лондоне, 1897 год - медаль в Чикаго, 1958 год - большая серебряная медаль на Всемирной выставки в Брюсселе.

Оренбургский пуховый платок название собирательное - это теплая тяжелая шаль и тонкий, легкий, ажурный платок «паутинка» (Приложение В, рисунок В.2). В том и в другом в удивительном согласии соединились уникальные качества пуха местной породы коз и народное понимание красоты гармонии и порядка.

Платки, созданные руками оренбургских мастериц, являются результатом развитого ремесла, впитавшего производственно-технический опыт, специфические приемы и профессиональные секреты многих поколений людей, занимающихся производством однородных предметов.

Их мягкие, пушистые изделия - итог ручного творческого труда и богатейших традиций, где веками отложились знания, навыки и смекалка коллективного творчества. За каждой операцией, за каждым движением женских рук стоит совокупность практически отточенных действий, испытанных в жизни бесконечное число раз, отработанность и виртуозность исполнительской манеры. Свобода в ремесленно-технической области дает оренбургским вязальщицам широчайшие возможности для творческой работы. Для вязания не нужны рисунки и описания. Выполнение задуманного идет по памяти согласно художественно-эстетическим нормам, сформировавшимся на промысле. При стилевой однородности общего, вы не найдете двух одинаковых платков. Каждый из них отражает персональность исполнительницы с личными пристрастиями к тому или иному мотиву, узору, элементу.

Настоящей мастерицей вязальщица становится не сразу - на это уходят годы и даже десятилетия. Она живая история и хранительница вековых традиций художественного промысла, увековеченная в песне оренбургского композитора Григория Пономаренко «Оренбургский пуховый платок». .

4.1 Резьба по дереву, посуда из дерева, веретенные изделия

Среди разнообразных предметов художественного ремесла особое место у башкир занимают изделия, изготовленные из дерева и древесных материалов. Достаточно указать на ковши с ажурной ручкой или же на конские седла с красивыми луками. Высокая техника их отделки, разнообразие форм и сюжетов привлекали внимание русских и зарубежных исследователей еще в 17 и 18 вв. В этих предметах, с одной стороны, проявились огромные запасы таланта, с другой - они представляют собой продукты упорного и кропотливого труда, когда получили широкий простор богатая человеческая фантазия и изобретательность. Говоря о предметах декоративно-прикладного искусства башкир, мы должны учитывать еще один немаловажный момент: минимум инструментов мастера-деревообработчика, в большинстве случаев топор и нож. Эти и другие стороны народного ремесла башкир подробно описываются в недавно появившейся книге «Резьба и роспись по дереву у башкир». Ее автор известный этнограф С. Н. Шитова, посвятившая всю свою жизнь изучению башкирской традиционной культуры.

Художественная обработка дерева и древесных материалов стала изучаться этнографами лишь с конца 50-х гг. 20 века. Первой научной публикацией была глава, посвященная резьбе и росписи, в монографии «Декоративно-прикладное искусство башкир» (Уфа, 1964; авторы С.А. Авижанская, Н.В. Бикбулатов, Р.Г. Кузеев). В те же годы начала сбор полевого материала С.Н. Шитова. В следующем этнографическом издании по декоративно-прикладному искусству, выпущенном в конце 70-х гг. (Р.Г. Кузеев, Н.В. Бикбулатов, С.Н. Шитова).

В книге С.Н. Шитовой «Декоративное творчество башкирского народа» (Уфа, 1979 г.), ею была написана глава «Резная утварь». Новая книга «Резьба и роспись по дереву у башкир» подводит итог многолетним исследованиям ученого. В книге декор на дереве рассматривается как органическая часть материальной и духовной культуры башкирского народа. Главное внимание уделяется бытовым предметам, объединенным в единый ансамбль в стенах жилища. В главе «Исторические традиции резьбы по дереву у башкир» вскрываются глубокие корни тонкой деревообработки, связывающие духовную культуру башкир с культурой памятников из Пазырыкских курганов Алтая. В ней говорится о существовании навыков использования дерева на ранних этапах этнической истории и культуры башкир. Подтверждением является высокий профессионализм башкирских мастеров, разнообразие приемов в технике обработки дерева и древесных материалов. Не случаен тот факт, что орнаментом и объемной резьбой украшали в первую очередь седла, стремена, кумысную посуду, «кандык аяк» (подставка под постель). Проведены выразительные параллели в технике обработки дерева и древесных материалов в форме деревянных изделий, их терминологии у башкир и ряда тюркских народов. Автор высказывает весьма интересную мысль о том, что резьба и роспись в убранстве интерьера стали развиваться у бывших кочевников раньше, чем архитектурный декор. Характерные детали в устройстве постоянных жилищ появились под влиянием юрты. Из кочевого быта в избы были перенесены некоторые детали интерьера, утварь, мебель.

Резьба и роспись по дереву, тиснение на коже и ювелирное дело, вышивка и аппликация, ковроделие и художественное ткачество, изготовление украшений из кораллов, бисера и монет, узорная вязка - таковы наиболее характерные формы башкирского народного декоративно-прикладного искусства.

C особенной тщательностью отделывались бытовые предметы: деревянная утварь, подсвечники, шкатулки, футляры для курая, посохи, подставки для сундуков и постельных принадлежностей, кухонные шкафчики, иногда орудия прядения и ткачества. (Приложение Г, рисунок Г.1). Употреблялись в быту башкир и берестяные изделия: посуда для хранения меда и масла, различного рода короба и корзины, колыбели, некоторые инструменты ткачества и пчеловодства. Детские колыбели, туески, корзины для ягод орнаментировались несложной резьбой, шитьем или аппликацией. Часто орнаментировались хомуты, дуги, седла, т. е. предметы, связанные с убранством коня, имевшего большое значение в повседневной жизни башкира и поэтому пользовавшегося всегда его заботой и любовью. По достоинствам коня, по качеству и отделке оружия судили о самом батыре. Поэтому декоративному оформлению боевого и охотничьего оружия (сабля, щит, лук, стрелы) и снаряжения придавалось первостепенное значение. Говоря об орнаментации кожаных изделий и ювелирном искусстве, заметим, что об этих отраслях башкирского искусства мы можем судить лишь по их состоянию на конец 19-начало 20 веков. Ввиду распада былой военной организации башкирского общества и периодических запретов царским правительством, опасавшимся башкирских восстаний, иметь кузницы, пришли в упадок кузнечное дело и вместе с ним ювелирное искусство.

Резьба по дереву, один из ранних видов декоративного народного творчества. В Башкортостане получила развитие в зоне липовых и березовых лесов. Резьбой орнаментировались седла, стремена, чехлы для оружия, посуда, детали ткацкого станка и др. К началу 20 века выделились центры по изготовлению резной посуды и других изделий. В Прибельских селениях, на юге современного Бурзянского района, было налажено производство низких кумысных кадок с елочным, солярным и зооморфным орнаментами.

По западным склонам Урала и в Среднего Забелья (д. Ниж. Ташбукан, Саитбаба, Уметбаево и др.) выпиливали деревянные цепи с фигурками куницы, волка или медведя в кольце, ковши с цепями, вазочки для меда с кольцевыми и биконическими подвесками, подсвечники, трости. Местный стиль проявляется в оформлении резных ковшей в Зауралье. Производство резных седел было распространено на территории современного Белорецкого, Бурзянского, Зилаирского и др. южных районов. Украшение домов резьбой и росписью связано с развитием строит традиций у башкир во 2-й половине 19–20 вв. Домовая резьба покрывала карнизы, наличники и двери домов и мечетей, калиточные проемы, опорные столбы и створки ворот; с заделкой фронтонов стали украшаться причелины, фризы дома; изредка полосу узора помещали на углах. Технические приемы резьбы были разнообразными: пропильная - ажурная и накладная, старинная глухая долбленая (ногтевидная, желобчатая, двугранно-трехгранно-выемчатая) резьба. Распространенным приемом башкирских мастеров резьбы по дереву было углубление фона. Характерные орнаментальные мотивы домовой резьбы - солярные узоры, роговидные мотивы в форме отдельных или сдвоенных завитков, интеграла, в виде «бегущей волны» и др. Башкортостане узоры на плоскости наличников копировали мотивы вышивки и аппликации на сукне и войлоке. В пропильной резьбе, особенно в центральных районах, преобладали растит композиции, иногда в узор вплетались изображения птиц и зверей, часто стилизованные. В Северном Башкортостане зооморфные сюжеты сочетались с геом. фигурами. Со 2-й половины 20 века домовая резьба сочетается с раскраской дерева, с выделением орнамента, часто детального и многоцветного.

Во всех сферах жизни башкирского народа мы встречаем синтез культуры степных кочевников с культурой народов лесной зоны. В посуде это проявляется достаточно ярко.

Деревянная посуда без сомнения тоже является национальной посудой башкир. До прихода на территорию Южного Урала кочевых башкирских племен тюркского этноса, коренные жители краю активно использовали изделия из дерева, которое являлось основным сырьем. В процессе формирования башкир как отдельной национальности, произошел синтез культур племен и народов, участвовавших в генезисе. При расселение башкирских племен в лесостепной зоне отпала острая нехватка древесины, и деревянные изделия прочно вошли обиход.

Башкирская деревянная посуда разделяется на две группы - цельная долбленая посуда и посуда со вставными донцами.

Самыми большими и наиболее грубыми сосудами являются сара и табак (ашлау). Сара - короткое и широкое корытце, табак - огромная деревянная чаша до 50 и более сантиметров в диаметре с ушком у края, в котором проделано отверстие для подвешивания. Сара и различной формы табак, чаще всего сделанные из древесных наростов, употребляются для пищи (в них еда подается или хранится).

Большие и глубокие чаши с небольшой ручкой - алдыр - делаются из березового или лиственничного нароста (уру). Служат для черпания и разливания по чашкам кумыса. Плоские чашки (тустак, тагась) делаются очень тщательно и используются для питья кумыса. Башкирский ковш (ижау) имеет довольно плоскую, продолговатую форму со слегка загнутым кверху носком. (Приложение Г, рисунок Г.2). Ручке ковша придается причудливая форма, она часто украшается резьбой. Чаще всего вырезается из березового нароста или корня. Для черпания пищи употребляются большие половники (сумэсь), круглой или слегка вытянутой формы с длинной ручкой. (Приложение Г, Рисунок Г.4). Ложки (калак) служат для черпания пищи и очень мелки. Для черпания лапши (салма) используются особые продырявленные черпаки (салма алкыс) или плетеные из черемуховых или калиновых прутьев (сулпы).

При изготовлении хлебов используется корытообразный лоток для переноски муки - сылькаус. Силяк (чиляк) - высокий сосуд со вставленным в его широкой части дном, выдолбленный из ствола липы (редко березы). Бывает от 20 см до метра и более высотой, от 10 до 40 см в диаметре. На середине ближе к верхнему краю имеются ушки с продернутой в них веревкой для переноски. Силяк средних размеров с крышкой, служащий для хранения и перевозки меда, называется батман. Силяк употребляется для приготовления кумыса и айрана, для хранения зерна, муки и пр. Силяк высокий (около метра) и очень малого размера (15–18 см) служит для сбивания масла и называется кубы.

Для доения кобылиц выдалбливается деревянный подойник (куняк) со вставным дном, ушком сзади и небольшой выемкой - носиком спереди. Так же, как и силяк, делаются невысокие ведерки или кадочки (тапан), в которых держат воду, подают для питья кумыс.

Сосуды с крышкой (коряга) емкостью от одного до двух ведер украшаются резьбой. Используются для приготовления буза. Берестяной кувшин (туз кумган) с деревянными дном и крышкой, в которой вырезаны два носика, используется для омовений. Берестяные сосуды коез и тырыз сшиваются конским волосом, имеют форму кузовков с пришивным донышком, используются для сбора ягод, хранения принадлежностей рукоделия и пр.

Из липовой и ивовой коры изготавливаются различные короба и сумки. Лубковая ситуха, род короба с квадратным дном и ушками по бокам, употребляется для зерна при посеве. Кошель, закрывающийся крышкой, используется для хранения провизии. Биштяр - заплечная сума для переноски припасов.

Из мочала плетутся шлеи и узды на лошадей, делают кули и рогожи (кап), а также попоны на лошадей (синта). Таким же способом, как и попоны, изготавливаются циновки из рагоза (кыугы) и из камыша (камыш сипта). Из ивовых прутьев плетутся различные корзины. Рог использовался только для изготовления луков.

Наиболее распространенный способ прядения - на веретене. Кудель льна или шерсти привязывали к прялке. Бытовали составные прялки в виде лопатки, реже встречались прялки в виде гребня. Их украшали росписью и резьбой. Весь процесс прядения и ткачества происходил в крестьянской избе. Был распространен составной ткацкий стан, который собирали из отдельных деталей: рамы, навои, набилки с бердом, подножки, блочки, ниченки, челноки и т.д. на ручных деревянных станах ткали холсты, пестрядь, сукно, узорные ткани в многоремизной, браной, закладной технике. Ткани шли на пошив одежды, изготовление скатертей, полотенец, пологов и т.п.

Традиционным материалом для изготовления прялки служила береза. Однако к северным и восточным границам ареала, особенно в местах проживания людиков, - рядом с березовыми прялками могли встретиться и прялки из хвойных пород древесины.

Судя по коллекции музея, плоскостная резьба - традиционный основной прием украшения поверхности прялок. Резные орнаменты на прялках коллекции музея образованы сочетанием контурной и мелко рельефной трехгранно-выемчатой резьбы. Резьба покрывает определенные участки поверхности - три грани пяты, два пояска на ножке и различные участки по обе стороны лопаски. В нескольких случаях резной декор опускается на верхний участок ножки. Украшение каждой части прялки имеет свои особенности.

Орудия труда так же богато украшались резьбой (набойные доски, вальки, рубели, швейки, гребни, веретена, детали ткацкого стана, прялки). Существовали различные способы художественной обработки древесины, но наиболее распространенным была резьба. Резьбой украшали архитектурные сооружения, мебель, различные поделки и предметы быта. Резьбу по дереву использовали и в других ремеслах. При отделке тканей способом набойки, то есть ручным печатанием краской по ткани, применяли манеры - деревянные доски с вырезанным узором.

Древнейшее искусство резьбы по дереву, актуальность которого, очень сильно выросла в последнее время, все настойчивей и уверенней входит в нашу жизнь и быт. Никакие искусственные материалы не заменят красоту и теплоту натурального дерева. Структура дерева ласкает и зачаровывает взгляд. Дерево лечит человека и наполняет его жизненной энергией. Дерево обладает бактерицидными свойствами: хлеб, который хранится в деревянной хлебнице, сохраняется гораздо лучше, чем в хлебнице изготовленной из другого материала, а уж если хлебница сделана из можжевельника, тут и говорить не приходится, такой хлеб очень долго не портится. Молоко в можжевеловой кружке не прокисает несколько недель, это было хорошо известно нашим предкам. Мебель, изготовленная из дуба всегда высоко ценилась в развитых европейских странах..

4.2 Хлопчатобумажные комбинаты

Главным моментом в техническом перевороте являлась замена ручного труда машиной, что знаменовало собой переход от мануфактур к фабрике. Но в ранний период развития машинной индустрии не только в России, но и в странах капиталистического Запада первоначально встречались предприятия, оснащенные рабочих машинами, приводимыми в действие водяными двигателями, конным приводом и даже человеческой силой. Подобного рода предприятия переходного типа были широко распространены в дореволюционной России.

Первой отраслью промышленности, захваченной техническим переворотом, стало хлопчатобумажное производство. Капиталистическая организация хлопчатобумажной промышленности стимулировала и обусловливала необходимость совершенствования производительности, широкий внутренний рынок и быстрый оборот капитала, высокопроизводительный труд вольнонаемных рабочих обеспечивал быстрый прогресс этой отрасли. Решающую роль в этом прогрессирующем развитии играл фактор отрыва значительной части беднейшего крестьянства от натурального хозяйства, зависимость его от товарного производства и рынка.

Современники отмечали, что именно широкие слои «народных низов» стали по хлопчатобумажные ткани и этим способствовали увели этого производства. Хлопчатобумажное производство включает три основные отрасли: бумагопрядение, ткачество, набивку и окраску тканей. В России хлопчатобумажная промышленность стала развиваться первоначально с набойки ткани.

8 октября 1942 года, более шестидесяти пяти лет назад, ткацкая фабрика выработала первые метры суровой ткани. Это дата считается днем рождения комбината.

Комбинат создавался в 1942 году - на базе эвакуированных из Подмосковья–Серпуховской ткацкой фабрики и Ярцевской прядильной фабрики. За короткие сроки в помещении «Гостиного двора», было установлено 608 ткацких станков фирмы «Платт» выпуска 1889–1901 годов. (Приложение Г, рисунок Г.3). Для обеспечения фронта обмундированием, работники предприятия стояли у станков по 10–12 часов, чтоб выработать первые метры ткани для Победы. Вот имена работников военных лет: Мамонтов Н.И., Тимофеева Р.А., Амнадистов Ф.П., Анкушина Е.П. и многие другие. В послевоенные годы, с 1945–1950–период работы по освоению проектных мощностей. Из года в год комбинат набирал темпы роста, улучшал условия труда и быта работников.

В годы девятой и десятой пятилеток предприятие пережило свое второе рождение. Была освоена проектная мощность прядильного производства, введена в действие ткацкая фабрика мощностью 864 бесчелночных ткацких станков, с введением которых выпуск ткани вырос почти в три раза. В последующие годы, до 1991 года проводилось техническое перевооружение прядильного производства. Продукция предприятия в это время пользовалось большим спросом, как в России, так и за рубежом: в Японии, США, Италии, Португалии, Испании, во Франции. За пятьдесят лет, пройденных комбинатом по перестроечному времени, было выработано 195 тонн пряжи, 722 млн. кв. метров ткани 142331 тыс. погонных метров прошивного ватина. Объем производства вырос в 20 раз. На комбинате тогда работало 1751 человек, из них 117 человек работают более 20 лет.

Предприятие в настоящее время работает в обычном режиме, стабильно и ежемесячно набирает обороты, наращивая выпуск суровых хлопчатобумажных тканей и товаров швейного производства, Продукция пользуется устойчивым спросом за рубежом, партнерами башкирских текстильщиков являются Дания, Литва, Италия. Продукция комбината является многократным победителем всероссийских, республиканских и международных конкурсов, выставок - ярмарок. .

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

В заключение хотелось бы подвести некоторые итоги данной курсовой работы. В ней были рассмотрены исторические предпосылки зарождения народных художественных промыслов, описано их текущее состояние и проведен анализ работы современной организации по защите и обеспечению развития современных народных художественных промыслов. И все же хочется в заключение выразить мнение простых людей.

Каждый знает, что для повседневных нужд мы сегодня охотнее употребляем фарфоровые тарелки, а не расписные хохломские миски, стеклянные бокалы, а не серебряные кубки, пластмассовый или металлический портсигар, а не сигаретницу, расписанную федоскинскими миниатюристами. И, тем не менее, деревянная миска с хохломской росписью, серебряные изделия кубачинских мастеров, шкатулки, расписанные федоскинскими или палехскими миниатюристами, могут украсить нашу квартиру, кабинет, праздничный стол или общественный интерьер. Сегодня гораздо чаще товары художественных промыслов мы приобретаем не для утилитарных целей, а ради красоты, которую несут в себе эти изделия творческого ручного труда.

Они не позволяют душе и сердцу человека превратиться в камень.

В курсовой работе рассмотрено и изучено формирование центров художественных ремесел, а так же деятельность предприятий занимающихся выпуском изделий художественных промыслов Южного Урала (на примере Челябинской, Оренбургской областей и Башкортостана). Цель работы достигнута. Из поставленных задач выполнены:

1) изучена система формирования центров художественных ремесел на Южном Урале,

2) составлено несколько альбомов-приложений, состоящих из наиболее важных иллюстраций различных видов художественных ремесел.

1 Алеврас, Н.Н. История Урала XIX в. - 1914 год / Н.Н. Алеврас, А.И. Конюченко. - Челябинск: ЧелГу, 2008 - 206 с.

2 Крживицкая, Е.Э. Художественная культура Урала / Е.Э. Крживицкая, А.Ю. Сергеев, Н.Б. Аллахвериева. - Екатеринбург: Издательский дом Coкрат, 2003 - 248 с.

3 Барсанов, Г.П. Минералогия яшм СССР / Г.П. Барсанов, М.Е. Яковлева. - М.: Наука, 1978. - 147 с.

4 Шабалина, Н.М. Промыслы и ремесла / Н.М. Шабалина. // Челябинская область: энциклопедия. - 2008. - Т. 5 - с. 402–406.

5 Малаева, З.Г. Художественное литье из чугуна. Касли. / З.Г. Малаева. - М.: Интербук-бизнес, 2005. - 437 с.

6 Шабалина, Н.М. Развитие центров народных художественных ремёсел русского населения на Южном Урале. / Н.М. Шабалина. - Челябинск: Абрис, 2004. - 189 с.

7 Попов, Г.М. Мастерские декоративно-прикладного искусства ЛиК / Г.М. Попов - М.: Интербук-бизнес, 2004. - 238 с.

8 Футорянский Л.В. История Оренбуржья. / Л.В. Футорянский - Оренбург: Оренбургская губерния, 2003. - 421 с.

9 Круглова, О.В. Русская народная резьба и роспись по дереву / О.В. Круглова - М.: Интербук-бизнес, 1983. - 175 с.

10 Хорев, С.А. Промышленный переворот в России / С.А. Хорев - М.: Вече, 1997. - 57с.

На первом окружном уральском фестивале "Народные промыслы" в Екатеринбурге все регионы УрФО представили изделия местных мастеров. От их разнообразия глаза разбегались. Прямо как у Гоголя: "Чего только нет на той ярмарке!" Но как редкая птица долетит до середины Днепра, так и редкий мастер заработает себе на хлеб с маслом. Почему, попытался выяснить корреспондент "РГ".

Ярмарка без покупателей

Согласно федеральному закону народный промысел - это деятельность творческая, локализованная географически в так называемых местах традиционного бытования. Экономисты и историки указывают еще одну, возможно, ключевую характеристику - это "источник добывания средств существования". А с этим как раз непросто. Так, если зрителей на фестивале было много, то покупателей - единицы.

Восхищаются, но не покупают, - сетует кружевница Елена Епифанова. - В понимании публики наши изделия - это недорогая и малогабаритная "сувенирка". Но, например, вот эта накидка - полтора месяца моей работы, и получить за нее хотелось бы соответственно.

Продукция народных промыслов зачастую неконкурентоспособна, поскольку малая эффективность господдержки и высокая доля ручного труда делают эти изделия слишком дорогими, - считает президент Уральской торгово-промышленной палаты Андрей Беседин. - И мы просто обязаны помочь мастерам наладить продвижение их продукции в современном формате.

Проведение фестиваля - один из пунктов стратегии развития народных промыслов России, разработанной Минпромторгом РФ. По замыслу авторов, ремесла выйдут на новый уровень развития, если открыть для них рынки сбыта за счет организации подобных масштабных мероприятий.

В этот раз в Екатеринбурге мастера продемонстрировали удивительные вещи - меховую мозаику, одежду из крапивы, кукол из утиных клювов... Наиболее эффектно "выступили" ямальцы, поставившие чум в выставочном зале. Внутри восьмилетняя рукодельница Лиза показывает, как плетут бисер и режут кость. Занимается этим сызмальства по примеру родителей, которые работают в окружном Доме ремесел - "эпицентре" развития традиционных народных промыслов на Ямале.

Регионы бытования

Коллегам из других уральских регионов остается только позавидовать ямальцам, где региональная система поддержки промыслов действительно развита. В округе регулярно проводятся фестивали-выставки - до 50 мероприятий организует только салехардский Дом ремесел, а в автономии таких три, и в каждом есть мастерские, галерея и салон для продажи изделий. Из наиболее выдающихся образцов формируется художественный фонд Ямала, насчитывавший на начало года 1944 предмета. Всего в прошлом году на адресную подпрограмму сохранения промыслов окружной бюджет выделил 439 миллионов рублей. Производителям, помимо налоговых льгот, маркетинговых и методических услуг, предоставляются гранты. Например, в этом году по 200 тысяч рублей получили четыре ремесленника, по 700 тысяч - пять промысловых предприятий, а определенный по конкурсу "мастер года" поощрен 80 тысячами.

К сожалению, в Свердловской области масштаб иной: звание мастера и хранителя ремесел оценивается более скромно - 50 тысячами рублей премируют четыре-пять человек в год. Профильной госпрограммы не существует, она только разрабатывается. Хотя разговоры о необходимости ее принятия ведутся уже много лет.

По данным областного экспертного совета, на Среднем Урале в 11 местах бытования народных промыслов работают 300 мастеров и около 50 мелких организаций. В региональном минпромнауки подсчитали, что в 2016 году они произвели продукции на 77,8 миллиона рублей - на пять процентов меньше, чем годом ранее.

За десять лет в небытие канули туринская игрушка, богдановичский фарфор, буткинские ковры, режевская расписная деревянная посуда…

10 лет назад на Среднем Урале было более 60 таких предприятий. За это время вместе с фабриками в небытие канули туринская игрушка, богдановичский фарфор, буткинские ковры, режевская расписная деревянная посуда, камнерезные и ювелирные изделия, изготовленные в поселке Малышева… Список можно продолжить.

Поддержать падающего

На Среднем Урале осталось всего два промышленных производства изделий народных промыслов. Первое - фарфоровый завод в Сысерти. Два года назад область приняла на баланс половину акций предприятия, находящегося в предбанкротном состоянии, погасила долги по зарплате и, как заявляют чиновники, возможно, даже выступит инвестором. На днях депутаты Заксобрания региона предложили продать завод, содержать который довольно накладно для бюджета. Однако для оздоровления и "предпродажной подготовки" этого актива, по данным областного мингосимущества, требуется 152 миллиона рублей. Для сравнения: по словам главы Минпромторга РФ Дениса Мантурова, в 2017 году госфинансирование всей сферы народных промыслов составит 450 миллионов рублей.

Второе предприятие - керамический завод в Таволгах - в лучшем положении. Однако, как признается его директор Александр Назаров, без федерального субсидирования примерно двух третей стоимости электроэнергии производство глиняной посуды закрылось бы. Объем выпуска - 200-300 тысяч рублей в месяц. В структуре цены глазурованного горшка электричество составляет половину, еще 40 процентов - зарплата, оставшиеся десять процентов - сырье и материалы. Глины на Урале хватает, со сбытом тоже проблем нет: четверть продукции реализуют в собственном магазине в Екатеринбурге, 40 процентов продают оптом, остальное раскупают туристы, которых на предприятии принимают до 20 тысяч ежегодно.

Не вижу я никакой региональной поддержки, - говорит Назаров. - Скажем, туризм - большое для нас подспорье, но как туристам добираться по нашим кочкам?

Таволги в стороне от больших дорог. По словам керамиста, он не раз просил областных чиновников выделить деньги и построить десять километров асфальта - выход на Алапаевский тракт. Это как минимум повысило бы туристическую привлекательность объекта.

Потерявши плачем

Турпоток избавляет от главной для большинства народных промыслов "головной боли" - заботы о рынке сбыта. Увы, маркетингу ремесленники не обучены. Вкупе с другими проблемами - нехваткой финансов, высоким износом оборудования, сокращением сырьевой базы - это, по мнению председателя правления ассоциации "Народные художественные промыслы России" Геннадия Дрожжина, ведет к тому, что ремесла вот-вот достигнут точки невозврата.

Нужно развивать индустрию сбыта, - уверен Дрожжин. - У нас единицы специализированных салонов на всю Россию. Например, в Нижнем Новгороде не магазин - жемчужинка! 700 квадратных метров, которые посещали все известные люди, от Ельцина до Тэтчер. Почему бы не выделить такие же помещения в каждом миллионнике? Регионы должны заботиться о промыслах, ведь это прежде всего духовность, а не экономика.

На недавнем круглом столе в Екатеринбурге предложили устраивать презентации изделий ремесленников на совещаниях, где собираются руководители - более платежеспособная категория, чем обычные посетители ярмарок (кстати, Минпромторг РФ предлагает разрешить чиновникам получать подарки дороже трех тысяч рублей при условии, что это изделия народных промыслов).

Другое предложение - "скрестить" традицию и современный дизайн. К примеру, использовать элементы чугунного литья и мотивы традиционной домовой росписи в интерьерах гостиниц. Тем более что у гостей региона есть спрос на аутентичность. Например, туристы из Китая несколько лет назад прислали заявку: "Хотим жить в центре Екатеринбурга, но в традиционных русских избах". Сейчас, увы, даже сувениры с местным колоритом непросто найти, за исключением бажовских ящерок да шкатулок (к слову, из заирского, а не уральского малахита).

Необходима поддержка организации ярмарок, фестивалей, - считает исследователь народных промыслов Урала Ольга Крутеева. - И информирование. Взять хотя бы тагильский поднос: до тагильчан такого никто не делал, всем известные жостовские появились позже. Наша уральская уникальность - в соединении традиции с промышленностью, этот промысел и возник как дополнение к производству. Но даже местные школьники о гжели слышали, а об урало-сибирской росписи - ничего.

прямая речь

Денис Мантуров, министр промышленности РФ:

За рубежом наше традиционное искусство всегда ценилось и до сих пор скупается за баснословные деньги, в то время как мы, поклоняясь разрекламированным брендам, забываем о своих национальных шедеврах. Долгое время россияне покупали изделия народного творчества в лучшем случае как подарок или туристический сувенир. Сейчас ситуация меняется, возрождается интерес россиян к народным художественным промыслам. Пришло понимание, что это не просто предметы декора или домашнего обихода, а своего рода национальные символы, представляющие своеобразие нашей страны, ее индивидуальность. Они, без преувеличения, основа отечественной культуры. Именно поэтому сохранение и поддержка промыслов - важнейшая государственная задача.

Народные художественные промыслы России - неотъемлемая часть отечественной культуры. В них воплощен многовековой опыт эстетического восприятия мира, обращенный в будущее, сохранены глубокие художественные традиции, отражающие самобытность культур многонациональной Российской Федерации.

Художественные промыслы являются одновременно и отраслью промышленности, и областью народного творчества

Неповторимые художественные изделия народных промыслов России любимы и широко известны не только в нашей стране, их знают и высоко ценят за рубежом, они стали символами отечественной культуры, вкладом России во всемирное культурное наследие.

Произведения русского народного искусства могут многое рассказать о русском национальном характере, об истории России, о народных идеалах счастья и красоты. Большинство народных промыслов возникло в глубокой древности, их корни лежат в деревенском ремесле. Сама природа подсказывала человеку и материалы, и сюжеты. В лесной полосе развились токарное ремесло, резьба по дереву или бересте (коре березы). В местах, где находили залежи глин, зарождалось искусство художественной обработки керамики. В северных районах европейской части России, где выращивали лен, возникло искусство кружевоплетения. Урал - место залежей железной руды и полудрагоценных и поделочных камней - знаменит чугунным литьем, украшением оружия и изделиями из камня.

Резьба по дереву и кости, кружевоплетение, вышивка, роспись по дереву и металлу, керамика, набивные ткани, изделия из кожи и меха - существуют десятки разнообразных народных промыслов. Однако мировую славу снискали лишь некоторые из них - матрешки, хохломская роспись, гжельская керамика, палехская миниатюра, жостовские подносы, павловопосадские шали, вологодские кружева, дымковская игрушка, городецкая роспись, каслинское чугунное литье.

1. Разнообразие народных промыслов

Матрешка - самый распространенный русский сувенир - еще довольно «молода», ей чуть более 100 лет. Произошла она от разъемной японской деревянной куклы - буддийского мудреца Фукуруму. Всего через несколько лет после своего появления на свет матрешка уже экспонировалась на Всемирной выставке в Париже, где получила медаль и мировую славу. А вот «хохлома» - роспись по дереву золотой, красной и черной красками - зародилась очень давно, в XVII веке, и с тех пор технология ее изготовления мало изменилась. Считается, что растительный рисунок с красными и чёрными элементами на золотом фоне придумали во второй половине 18 века старообрядцы. Другая легенда гласит, что роспись зародилась в старинных монастырях.

Рассказывают, что один из мастеров-«хохломистов» Михаил Красильников в 1884 году отправил на выставку в Петербург свою картину «Крестьянское утро», написанную на крышке стола в хохломской традиции. Мастер мечтал, что ему будет позволено учиться в Петербурге. Картина имела успех: Михаила вызвали в Петербург и наградили часами и тулупом. Однако учиться в столице ему никто не предложил.

Заволжские крестьяне, чтобы не умереть с голоду, вынуждены были заниматься промыслами.

Они делали посуду с хохломской росписью – очень прочную и удобную в быту, раскрашенную ярко и выразительно. Спрос на неё не падал.

Для себя и по заказу односельчан мастера расписывали дуги, прялки, лукошки для ягод, грибов и другие вещи, окружившие их в быту.

Бедна была домашняя деревенская обстановка, и как приятно было поставить хлебопашцу на стол нарядную, отливающую золотом деревянную посуду! Самую красивую посуду делали в селе с названием Хохлома, это на Волге. Там и зародилось известное на весь мир искусство хохломской росписи. Деревянная посуда была у русского человека в употреблении с самых давних времён. Раскрашивали её крестьяне, жившие в деревнях вокруг Хохломы. Посуда была дешёвой и прочной. Как же её изготовляли?

Сначала делали баклуши из липы, осины или берёзы, затем их сушили, покрывали жидкой глиной, потом олифой и красили(пользоваться некрашеной посудой было неудобно: она быстро грязнилась). Украшали посуду орнаментами, которые придавали ей неповторимый облик. Мягко светящиеся золотом, украшенные чёрно- красной травкой миски, блюда, ложки и солонки стали любимой посудой деревенского люда и своим нарядом вносили радость даже в самое бедное жилище.

Сегодня хохломские изделия производятся более чем на тридцати предприятиях России.

Палехская миниатюра возникла на основе древнего иконописного промысла. В 20-е годы, во времена «воинствующего атеизма)», промысел не умер, а переориентировался. Бывшие мастера иконописи стали изготовлять шкатулки, броши, портсигары, расписывая их в "прежней манере, но наполняя новым содержанием - сценами советского быта, иллюстрациями к народным сказкам, историческими и литературными сюжетами. Удивительным было сочетание этого утонченного «духовного» письма с «земным» содержанием: тракторами, бабами и красными знаменами.

Появились шкатулки уже 20-х годах прошлого века. Впрочем мастера начали делать шкатулки не от хорошей жизни. Издавна Палех славился своими иконами. Однако после революции иконописцы остались без работы. Мастера перенесли своё искусство на картонные коробки. И в основу росписи взяли сюжеты русских народных сказок.

Рассказывают, что после октября 1917г. американцы предложили жителям Палеха перевезти их за океан вместе с избами, скотиной и домашней утварью, лишь бы палехское искусство не умерло. Однако патриоты- художники отказались.

Сегодня художники в Палехе работают не в мастерских, а на дому. Мастеров, пишущих в исконно палехской традиции, осталось не более 120. Качественная расписная шкатулка стоит до тысячи долларов

Городецкая роспись, возникшая в середине XIX века, раскрывает представления народа о «хорошей жизни». Помимо цветов и животных, городецкие мастера любили изображать гуляния, чаепития, праздники и пр. Герои этих сюжетов - зажиточные крестьяне, городские жители и купцы - веселые, богатые, щегольски одетые.

В наше время россияне очень любят и ценят произведения народного искусства. Почти в каждом доме можно увидеть каслинскую статуэтку или городецкую кухонную дощечку, хохломскую деревянную ложку или полховомайданский бочонок; среди детских игрушек обязательно найдутся матрешка и расписная пирамидка. Не редкость и целые коллекции гжели, хохломы или дымковской игрушки.

Изделия народных промыслов продаются во всех туристских центрах. Уезжая из России, невозможно не увезти с собой какое-либо народное произведение. Пышные цветы и тончайшие росписи, изящные кружева или наивные забавные игрушки будут напоминать об огромной стране, о добром, щедром и талантливом народе.

Чудеса рукотворные. Вологодское кружево

Как приятно любоваться морозными узорами на стекле, или зимним лесом, где пушистые снега переплетаются в чудесное кружево, сквозь которое пробиваются солнечные лучи. Жаль только, что эта красота недолговечна. Пригреет теплое солнышко, подует ветер – и нет её

А вот эти ажурные узоры, эта сказочная красота не исчезнет, не растает. Потому что создали её не морозы и снежные вьюги, а руки искусных мастериц. Это знаменитые вологодские кружева.

Кружевоплетение известно на Руси с 17 века. Вологодский кружевной промысел сложился на рубеже 18-19 веков. Владельцами мастерских были дворяне, а работали на них крепостные крестьянки с 6 лет. К 14 годам девочки превращались в опытных мастериц.

Плели кружево в сырых полуподвалах, во влажной атмосфере оно садилось и становилось ещё более ажурным. Света в подвалах было совсем мало, и к 25 годам мастерицы полностью слепли.

Рассказывают, что норма выработки у бездетных была больше, чем у кружевниц с детьми. У искусной мастерицы специально отбирали детей, чтобы повысить норму.

Дорогими кружевами украшали одежду бояр и царей. Кружева можно было увидеть на царском троне, на сёдлах, на церковном убранстве.

Сегодня центром производства настоящих вологодских кружев является вологодская кружевная фирма «Снежок»

Вологодские кружева плетут из хлопчатобумажных, льняных, реже синтетических нитей с помощью коклюшек. Цвет кружева может быть белым, серым, голубым, кремовым, чёрным. Характерной особенностью вологодского кружева является чёткое деление на крупный, выразительный рисунок и прозрачный, воздушный фон «решётка». В рисунке сохраняются традиции народной орнаментальной вышивки.

Букеты из Жостова. Жостовские подносы

Любили на Руси почаёвничать - с вареньем, баранками, сладостями. А поднос при чаепитии – вещь незаменимая. На него удобно поставить горячий самовар и вазочки с вареньем, пряниками – баранками и другим угощением. Да что говорить поднос – нужная вещь.

Жостовский художественный промысел – это декоративная живопись на металлических подносах. Возникновение промысла относят к началу 19 века, когда в деревне Жостово, Троицкой волости (ныне Мытищинский район, Московской области), была открыта мастерская по выпуску лакированных изделий из папье – маше с живописными миниатюрами. Но вскоре жостовские мастера стали делать металлические подносы с росписью масляными красками и лаковым покрытием. В 1928 году была основана артель, ныне Жостовская фабрика декоративной росписи. Жостовский промысел развивался под влиянием уральской декоративной росписи, федоскиной лаковой миниатюры, росписи по фарфору подмосковных фабрик. Но уже к середине 19 века сложился самобытный художественный стиль жостовских мастеров. Сюжеты росписи – цветочные, растительные орнаменты, бытовые сценки из народной жизни, пейзажи. Разнообразна форма подносов.

В качестве сюжетов мастера используют натюрморты, пейзажи, образы сказочных персонажей и, конечно, русской тройки.

Однако визитной карточкой жостовской росписи остается букет. Реально существующие и рожденные фантазией художника цветы собираются в букеты или располагаются венками и гирляндами на черном лаковом, цветном металлизированном или перламутровом фоне. Роспись создается как блестящая импровизация на цветочные мотивы, поэтому повтор или стандартизация исключаются.

На промысле работают потомственные мастера, семейные династии, есть свои формы обучения преемственности художественного ремесла.

1. 2 Рождение новых промыслов

(Роспись на ткани)

Роспись тканей в нашей стране широко распространена и занимает большое место в современном русском народном декоративно-прикладном искусстве. Она возникла недавно. В 30-х годах XX столетия, и сразу же получила общее признание. Росписью тканей заняты многие артели в самых различных городах РСФСР. В основном росписью украшаются лёгкие ткани, предназначенные для отделки женского костюма. Здесь и разнообразные шарфы, и косынки, и платки, и вставки. Во внутреннем убранстве нашего жилища тоже часто можно встретить искусно расписанные занавесы, панно, абажурные платки и т. п.

Ручная художественная роспись тканей на шелковых, вискозных и синтетических тканей производится тремя основными способами, каждый из которых имеет свои особенности оформления. Два из них - холодный и горячий батик - основаны на применении резервирующих составов, ограничивающих растекаемость краски по полотну. [см. приложение 4]

Родиной горячего батика считается Индонезия. Классический горячий батик - очень трудоемкий вид росписи. Только подготовка ткани занимала несколько дней. Сначала ткань держали в воде 1-2 дня для размягчения, потом стирали, сушили. Затем кипятили в рисовом крахмале 15 минут. После повторного высушивания ткань отбивали до мягкости деревянным вальком.

При горячем батике художник наносит (по контуру рисунка) кистью или специальным прибором – батик шрифтом – на шёлк, туго натянутый на раму, подогретый парафин(резервирующий состав), который сохраняет естественный цвет ткани при её окрашивании. Ткань тут же, на раме, раскрашивается анилиновыми красками при помощи ватного тампона.

При воспроизведении изделий способом горячего батика исполнитель должен обладать высоким мастерством рисовальщика, так как при тиражировании образцов он неизменно вносит что-то свое, индивидуальное.

С изобретением клейкого материала, названного резервом, получила развитие принципиально новая техника росписи - холодный батик.

При холодном батике резервирующий состав наносят на ткань в виде замкнутого контура, в пределах которого специальными красками в соответствии с эскизом расписывают изделие. Художественные особенности этого способа росписи состоят в том, что наличие обязательного цвета контура и использование этого контура для разнообразных орнаментальных разработок придает рисунку графически четкий характер. При этом количество цветов, применяемых для росписи, практически неограниченно. Третий способ ручной росписи тканей - так называемая свободная роспись. Рисунок наносится на ткань свободными мазками, и только окончательная отделка рисунка иногда производится при помощи холодного резервирующего состава. Здесь еще больше проявляется индивидуальное творчество, так как применение каких-либо шаблонов почти исключено, и мастер, повторяя образец, невольно варьирует рисунок.

Все три способа росписи постоянно совершенствуются, работающие в этой области находят все новые и новые художественные приемы.

Глава 2. Традиционные народные промыслы Урала

Народные промыслы на Урале имеют многовековую историю. Они начали развиваться более трех веков назад, когда в нашем крае стали строиться первые заводские поселения, и население его существенно выросло за счет переселенцев из Центральной России.

Изначально традиционные уральские ремесла отличались разнообразием направлений, стилей. Их развивали талантливые самобытные мастера.

В наше время в уральских городах и деревнях возрождаются традиционные промыслы и ремесла. Деятельность народных мастеров координирует и направляет областной художественно-экспертный совет по народным художественным промыслам.

Более половины уральских ремесел издавна были связаны с обработкой камня и металла. Искусство уральских камнерезов воспевал в своих сказах Павел Петрович Бажов. Изделия уральцев с давних времен и по сей день украшают лучшие музеи мира и частные собрания.

В 1726 году по инициативе Василия Никитича Татищева в Екатеринбурге была создана гранильная мастерская, ставшая впоследствии гранильной фабрикой. Со второй половины 19-го века камнерезные предприятия появились в Березовском, Верх-Исетском, Полевском, Мраморском, Нижнеисетском заводах, поселке Шарташ. Нынешние мастера - ювелиры и камнерезы - возрождают и продолжают традиции Данилы-мастера.

Широко были известны в прошлом и текстильные изделия уральских мастериц. Многие жители поселка Верх-Исетского завода занимались кружевоплетением на коклюшках, а в деревнях и селах, окружающих Екатеринбург, женщины изготавливали ковры ручной работы. И по сей день в селе Бутка существует фабрика ручного ковроткачества.

Одним из направлений работы уральских мастеровых был и керамический промысел. Еще в первой половине 18-го века в селе Нижние Таволги Невьянского района выпускали керамическую посуду. А в наши дни мастера-керамисты Сысертского фарфорового завода изготавливают уникальные фаянсовые иконостасы для храмов и монастырей Екатеринбургской епархии.

С середины 18-го века на Урале, в Нижнем Тагиле, Верх-Нейвинском, Туринске и Невьянске начинает развиваться еще одно интересное ремесло - лаковая роспись по металлу. В наши дни наиболее крупное предприятие этого направления - предприятие "Метальная лавка" в Нижнем Тагиле, где работают отличные мастера и художники.

Развивалось на Урале также искусство изготовления изделий из бересты - так называемый "бурачный" промысел. Центрами его являлись Нижнесалдинский, Верхнесалдинский и Нижнетагильский заводы, где в начале 20-го века действовали более 40 кустарных мастерских.

В начале 18-го века в Невьянском заводе по распоряжению Никиты Демидова был отлит первый колокол. Сегодня широко известно каменск-уральское предприятие "Пятков и К", ставшее одним из ведущих в России колокольных заводов.

Народные промыслы на Урале живут и развиваются. Как встарь, большим спросом пользуются изделия уральских камнерезов, ювелиров и кузнецов, нижнетагильских мастеров лаковой росписи по металлу, фарфоровая посуда с ручной росписью, каменск-уральские колокола. Мастера чтут вековые традиции, хранят секреты и создают новые приемы создания самобытных изделий, которые не спутать ни с какими другими.

2. 1. Красота, рождённая огнём. Каслинское чугунное литьё

«Касли» - в переводе с татарского – «гусиная яма». Очевидно название этого городка, лежащего у острогов Уральского хребта, произошло из – за того, что здесь много живописных озёр. Поэтому Касли ещё называют «уральской Венецией»

Каслинское чугунное литье Недалеко от города Снежинска расположен один из старейших городов Южного Урала - Касли. Этот небольшой городок знаменит во всем мире благодаря своим изделиям, созданным по технологии чугунного литья. В 1747 году тульский купец Яков Коробков поставил на Южном Урале Каслинский железоделательный и чугуноплавильный завод. Обширные земли в округе он купил у башкир почти за бесценок.

А места оказались богатые: сосновые леса, озера, железная руда, залегающая почти на поверхности. В 1752 году Каслинский завод купил Никита

Демидов - владелец многих заводов на Урале и в Сибири. К тому времени завод выплавлял чугун, который переделывался в сошниковое, полосовое и кусковое железо. Отправлялись в Центр России пушки и ядра. Демидовское железо имело свою марку - двух соболей, стоящих на задних лапках. Оно было самого высокого качества в мире! И если в XVIII веке завод прославился отличным железом, то в XIX веке большую известность ему принесло чугунное художественное литье. Оказалось, что в Каслях есть большие запасы хороших формовочных песков. К тому же в достатке имелась древесина для изготовления угля. Первые отливки из каслинского чугуна появились в 50-х годах XIX века. Это были крупные изделия. Среди них:

плиты, решетки, садовые скамейки, надгробные барельефы.

В 1860-1890 годах чугунное художественное литье достигает своего наивысшего расцвета. В это время Каслинский чугунолитейный завод получает дипломы и медали выставок в Санкт-Петербурге, Париже, Вене, Филадельфии, Стокгольме.

Большую известность и славу каслинскому литью принесла Всемирная выставка в Париже в 1900 году, где была представлена интереснейшая работа чугунный павильон.

Каслинское художественное литье представляет собой целый мир разнообразных тем и сюжетов: от крестьянина-пахаря до Венеры Милосской, от массивных торжественно печальных надгробий до тончайшей цепочки для карманных часов, от монументальных скульптурных фигур до миниатюрных

[см. приложение5]

О волшебном каслинском искусстве прославленный уральский сказочник П. П. Бажов говаривал с восхищением: «Каслинские литейщики в форму льют чугун, а он остывает серебром». Бажов хранил у себя чугунную табакерку чуть больше спичечной коробки старого формата с демоном на крыше. Эта табакерка стоила в Париже в самом деле дороже, чем такой же серебряный портсигар, а чугунные колечки и брошки- серёжки приближались по цене к золотым.

Выпуск художественного литья увеличивается в Касли с каждым годом. На заводе отлиты детали для многих архитектурных сооружений городов страны, канала имени Москвы, Всесоюзной сельскохозяйственной выставки. В 1937 году Каслинский завод участвует на Всемирной выставке в Париже. На выставке были представлены работы, выполненные по прежним моделям и по моделям советских скульпторов. В ней приняли участие лучшие мастера-исполнители, В 1940 году в Москве была открыта первая в стране выставка художественного чугуна, в которой принял участие и Каслинский завод. После Великой Отечественной войны в Касли открылось специальное профессионально-техническое училище для подготовки молодого пополнения рабочих завода, в том числе формовщиков, чеканщиков и специалистов по окраске литых изделий.

2. 2 Лаковая живопись Урала

Разбирая много лет назад имущество Онежского монастыря, исследователи наткнулись на описания железных восьмигранных подносов с клепанными бортами. В уголке, как обычно, стояло клеймо автора – одного из тагильских художников – самоучек – и дата изготовления – 174 –й. Этот год и принят за точку отсчёта подносного дела в Нижнем Тагиле.

В ноябре 2006 года подносному делу исполнилось 260 лет.

Три имени особо ценны для почти трёхвековой истории тагильского подносного промысла. Естественно Демидовы,Чуткие и прозорливые заводчики, в особенности внук основателя рода Никита Акинфиевич, не просто снисходительно поощряли живописные забавы талантливых самородков, но стали учить их, основав первую художественную школу. Железа, удивительного по своей мягкости, прочности и ковкости, в Тагиле было много, умельцев из числа крепостных – тоже. Они и стали первыми ремесленниками, изготовлявшими шкатулки, сухарницы, столики и как вершину творения – подносы, служившие и кухонной утварью, и элементом интерьера.

Неотделимо от промысла и имя художников Худояровых, несколько поколений которых посвятили себя росписи по металлу. Внук основателя династии Степан занесён в анналы промысловой истории как талантливейший ученик Брюллова. Именно они изобрели особый, хрустальный, лак – необычайно прочный, прозрачный и крепкий, которым покрывали свои изделия и благодаря которому слава о тагильских подносах мгновенно разнеслась по России, перешагнув её границы.

Агриппина Васильевна Афанасьева – ещё один уральский самородок, но уже из 20 века.

Руки Агриппины Васильевны Афанасьевой навсегда запомнили уроки дореволюционных мастериц. Именно она в 70-е годы связала порвавшуюся нить: был возрожден истинный тагильский мазок, на подносы вернулась красота и своеобразие маховой росписи, старые композиции, цветовые особенности. Тагильская роза и весь промысел набрали полные легкие, чтобы зажить новой жизнью. Но пришли времена, когда всем стало не до подносов. Мастера оказались невостребованными, как и их авторские находки, эксперименты Производство (огромный цех, где работало одновременно до 250 художниц) сошло почти на нет Мастерицы, чтобы выжить, уходили в разные профессии, но, отторговав в киоске, возвращались к краскам и кистям. Большинство из них сегодня работает дома. Уголок в комнате, дневной свет или настольная лампа, два десятка кистей, фантазия, вдохновение и суровая железная заготовка оживает, превращается в поднос.

Но на него страшно поставить самовар или положить горячий пирог. Им можно лишь безмолвно и затаенно восхищаться. Как картиной в музее. Ибо многие подносы и есть картины, выполненные на металле. Мазок, другой, третий и вот уже суровые в своей красоте уральские скалы, излучины горных рек, неповторимый осенний лес, притаившийся на заиндевелой ветке глухарь Металл словно добавляет пейзажу свою энергетику, напитывает огнем жизни.

Тагильский промысел возник на гребне промышленного расцвета Урала, который сегодня вновь пребывает на индустриальном подъеме. В настоящее время интерес к лаковой живописи на Урале не угас. В Нижнем Тагиле существует училище, выпускающее художников, занимающихся росписью по металлу. Традиции подносного промысла продолжают мастера А. В. Афанасьева, С. В. Веселков, Т. Д. Котова, Ольга и Сергей Ивановы, работающие на предприятиях "Метальная лавка", "Смена", "Исток-1", и другие. Нижнетагильский поднос был представлен на многих российских и международных выставках и снискал всемирное признание и славу.

2. 3. Уральские росписи

Широко распространённым видом народного творчества Урала является декоративная роспись: расписная утварь, расписные крестьянские дома. Немало красочных вещей было в домах уральских рабочих - деревянные подсвечники, вёдра и коромысла, «клеёнки» - своего рода праздничные половики.

Народная декоративная роспись была тесно связана с иконописью, так как украшением бытовой утвари и интерьеров, как правило, занимались иконописцы. Разнообразию травных орнаментов способствовала специализация в изготовлении икон. Среди иконописцев были «травники», « личники», « доличники». Мастера травники расписывали прялки и вальки, украшали дома зажиточной части населения. В это время на Урале складывается два направления расписной утвари - роспись металлических и деревянных изделий. Первое получило распространение в поселках при демидовских заводах-Нижнесалдинском, Невъянском, Нижнетагильском и стало ремеслом городским. Второе, стало ремеслом сельских районов Урала и было сосредоточено в наиболее заселённых посёлках. Различные сёла специализировались на производстве какого-либо одного вида товара. Так, недалеко от Кунгура красили коромысла, около Оханска делали крашеные телеги, у Далматона изготавливали прялки.

Среди этого обилия домашней утвари выделялись прялки. Крестьянский быт, наполненный обрядовыми элементами декоративно-прикладного искусства, способствовал устойчивому сохранению в народных ремёслах древнейших мотивов. Развитым видом народного искусства на Урале было создание праздничных обрядовых прялок. Над ними трудились мастера-профессионалы, были выработаны определенные типы композиций прялочного декора, характерные для различных районов, но всегда связанные с определённым назначением прялки. Детскую прялку родители дарили девочке в знак приобщения к труду. Красота прялки способствовала праздничности момента. Большую прялку приподносили девушке, когда она достигала возраста невесты и должна была появиться на посиделках. Красивая прялка как бы представляла девушку, говорила о благополучии в её семье, служила дополнением к нарядному костюму. Красота множества прялок, принесённых на посиделки, празднично преображала избу, создавала радостную и теплую атмосферу. Прялку дарил молодой человек своей суженой. Она переходила по наследству от бабушек, матерей. Сохраняла память о близких людях. На Урале прялки чётко различались по конструктивному принципу. Были корневые, составные и токарные прялки. Прялки - корневушки делали сами крестьяне. Проходящие через деревни красильщики расписывали такие прялки цветочными мотивами, стилистически связанными с домовыми росписями.

В Кунгуре и его округе существовали корневые и токарные прялки. Они отличались стройностью пропорций и характерным рисунком верхнего края лопасти в виде гребня с тремя полукруглыми вырезами. Их росписи были разнообразными. В целом кунгурская роспись относится к живописному типу русских кистевых росписей. Особенностью её были цветочные мотивы, плотно заполняющие поверхность. Наиболее любимой и чаще всего используемой была композиция цветущего дерева с сидящими на нём птицами. В уральской росписи предпочитали холодные тона и в окраске фона прялки преобладали синие, голубые и зелёные цвета.

Наряду с утварью на Урале было принято расписывать жилища. Этот обычай появился с середины XIX века, это объясняется тем, что до этого периода крестьянские избы топились по-чёрному. Формированию целостного стиля уральской домовой росписи способствовало то, что данный промысел отличался большой подвижностью. Профессиональные крестьяне-художники переезжали из волости в волость, расписывая избы. Свою живопись они подчиняли вкусам местного населения. Первым делом художники расписывали входные двери и голбец. На них рисовали красивый куст, а рядом людей и зверей-охранителей. Затем разрисовывали печь-символ жизни в доме. Её украшали особенно тщательно, так как по поверьям в подполье под печкой жил домовой-доброе существо-охранитель дома, без которого жизнь в доме считалась невозможной. Изба делилась на «углы»: прихожая-пространство под полатями, середа-место у печки, где работала женщина стряпуха, сама изба с «красным углом»-столовая и место приёма гостей. Гамма росписи была ограничена несколькими цветами красных, синих, жёлтых, зелёных оттенков, редко пользовались темно-коричневым цветом. Но обязательно присутствовал белый-для моделировки форм и чёрный-для приписок графических элементов. Сама техника росписи была очень простой. После определения предварительного размера мотива и композиции, прописывали подмалёвок, которым обозначали основные пятна цветов, бутонов, листьев. Затем производили их моделировку белилами, если «подмалёвок» был цветной, или какой либо другой краской, если он был белым. Обмакнув кисть в краску нужного цвета и вращая её вокруг оси, за одно движение превращали подмалёвок в ягодку или лепесток. Благодаря этому приёму, сохранившемуся и развившему традиции травных росписей XVII-XVIII век создавались мягкие переходы от цвета к цвету.

Глава 3. Популярные народные промыслы Северного Урала

Знаменитые промыслы Урала - камнерезное и ювелирное искусство, традиционная уральская вышивка, глиняная игрушка, расписные подносы, плетение из лозы, лоскутная техника.

3. 1. Ювелирное дело - визитная карточка горного Урала.

История появления ювелирного искусства уходит в глубину тысячелетий. Стремление человека украсить себя проявлялось еще на заре зарождения эволюции. В каменном веке наши далекие предки создавали украшения из цветной гальки, прозрачного горного хрусталя и раковин. Известный индийский минеролог Рао Бахадур утверждает, что, судя по археологическим находкам в Индии и Бирме, мужчины и женщины не только носили различные ювелирные украшения из камня, но и украшали свое жилище, оружие и бытовые предметы 7,5-10 тысяч лет назад. Это были местные камни - халцедоны, агаты, нефрит. Использование изумрудов началось за 2000 лет до нашей эры, сапфиров и рубинов из россыпей на Цейлоне - за 600 лет до н. э. Алмазы появились в той же Индии - за 1000-500 лет до н. э. Находки изделий из лазурита, гранатов, аметиста, амазонита на территории современного Египта датируются неолитом. В настоящее время установлено, что изумруды добывались в горах на берегу Красного моря почти за 2000 лет до н. э.

Драгоценные камни, добытые на приисках, стекались в кладовые Екатеринбургской гранильной фабрики, которая уже в 1774 году выросла в мощное для своего времени предприятие по переработке самоцветов. Здесь, на фабрике, постепенно складывается, развивается искусство гранильщиков, чьи заветы сохранились в памяти веков как фольклор, как сказы и легенды, питающие творчество современных уральских художников-ювелиров.

Фабричные мастеровые быстро освоили секреты и тонкости гранения самоцветов в «звездочку», «розой», в ленточную и бриллиантовую грань. Однако ремесло так и осталось, наверное бы, ремеслом, если б не «живинка в деле», которая вывела уральцев из числа подмастерьев, снискав им славу не только в России, но и среди ювелиров Европы.

Большое распространение в 20-30-х годах XIX века получает гранение искр из горного хрусталя и фенакита. Особенно славились мастера Березовского завода. Они делали большую, среднюю и малую искру. Большая и средняя шли на головки для крестиков, малая - в осыпь колец, диадем.

Получив «вольную», гранильщики стали трудиться на дому. К земле особой привычки не было, и работа по камню осталась наипервейшей и самой главной. Приобретали нехитрый инструмент, ставили в избах шлифовальные

18 круги. К 80-м годам складываются основные центры гранильных кустарных промыслов в Екатеринбурге и его окрестностях: Березовском, Нижне-Исетске, Верхне-Исетске, Уктусе, Полевском, Мраморском.

Мастера, прошедшие фабричную выучку, тайны ремесла сберегали строго, при посторонних не работали, чтоб не появились конкуренты. Тем не менее к обработке камня приспосабливались все новые и новые поколения. Отчасти путем передачи опыта отца к сыну, отчасти путем выведывания секретов.

Развиваясь, гранильный промысел создал множество ответвлений, отраслей изготовления вещей из поделочного камня. Основными были малахитовый, яшмовый и селенитовый. А сколько узких специализаций было в промысле! В одном доме семья делала брелоки, в другом - пасхальные яйца, в третьем - пепельницы, в четвертом - спичечницы в виде башмака - право, всего не перечтешь. И что самое интересное - кустари стали использовать поделочные камни для украшений.

Малахитчики Иванов, Турунев, Алексеев, Квасников из гумешевского плисового и светлого меднорудянского малахита наряду с пресс-папье, досками для чернильных приборов, подсвечниками, шкатулками изготовляли малахитовые браслеты и ожерелья. До ста штук шариков, выточенных от руки, тщательно подобранных по величине и по цвету, содержалось в нитке. Иногда все бусинки были одинаковые, иногда же размер их увеличивался постепенно, и в центре помещалась самая крупная.

Сейчас об уральском ювелирном искусстве можно говорить не только беспристрастным тоном летописи, точно фиксирующей факты и события. Его интересно представить и в анализе основных тенденций художественного развития, в их скрещивании, переплетении. С начала шестидесятых годов более многообразной становится творческая деятельность художников. Уже не один и не два, как это было в период становления, а целая группа мастеров составила тот коллектив, который принял на себя все тяготы первых поисков и открытий.

Наиболее распространенными исконно русскими ювелирными украшениями считают изделия, содержащие речной жемчуг, которого достаточно много в чистых северных реках, а также изделия из янтаря – застывшей смолы деревьев. Также распространены изделия из полудрагоценных камней – самоцветов. По-прежнему остаются популярными и изделия из золота и серебра.

Уральская ювелирная школа известна по всему миру. Ее победоносное шествие началось еще в эпоху Демидовых. Живую традицию уральского самоцвета развивают и наши современники – мастера камня.

Новое мировое открытие уральской ювелирной школы началось в шестидесятые, когда заслуженный художник России Леонид Федорович Устьянцев представил на выставке в Париже брошь из серебра и яшмы под названием

«Урал». Это событие вновь открыло путь на международную арену уральским изделиям из цветного камня.

В 1965 году уральский мастер стал участником всесоюзной художественной выставки «Искусство и быт», а черед два года изделия Леонида Устьянцева из золота и бриллиантов были приобретены для уникальной экспозиции «Алмазный фонд СССР» в Москве.

Расцвет творчества ювелира приходится именно на 60-е годы. Леонид Федорович работал тогда на заводе «Ювелиры Урала» в составе экспериментальной группы. Перед ее сотрудниками ставилась задача – снабжать модельеров предприятия, и особенно участка индивидуальных изделий, эскизами, рисунками и моделями новых образцов.

Леонид Устьянцев вспоминает: «Мы совершили маленькую «революцию», повлиявшую на все дальнейшее развитие ювелирного искусства на Урале, открыли путь для широкого использования несметных каменных кладовых нашего края».

Его произведения рождались на основе уральских самоцветов. Мастер отдавал предпочтение горному хрусталю, агату, халцедону, сердолику, яшме, родониту, малахиту, аметисту. Внимательно вглядывался в камень-самоцвет, в котором уже заложен рисунок. Всегда долго искал выразительную композицию, цветовую гамму, прежде чем вставить камень в оправу.

Сегодня ювелирное искусство Урала – калейдоскоп манер и стилей. Это подтверждают современные уральские ювелирные магазины, по которым можно ходить целыми днями, выбирая подарок из драгоценного камня. Зато, найдя украшение себе по душе, можно быть уверенным в его качестве.

Ведущие ювелирные российские компании, занимающиеся самоцветами – «Русские самоцветы» и «Ювелиры Урала». ОАО «Русские Самоцветы» было создано в 1992 г. путем реорганизации государственного производственного объединения «Русские Самоцветы», ведущего свою историю с 1912 г. Сегодня это один из ведущих в России производителей эксклюзивных и массовых ювелирных изделий, эмалево-филигранной серебряной посуды, столового серебра, живописных эмалевых миниатюр, часов и браслетов для часов, украшений из золота и серебра, камнерезных изделий. Ассортимент предприятия насчитывает более 3,5 тыс. моделей - на заводе изготавливают как изделия массового спроса, так и эксклюзивные произведения в единственном экземпляре или малыми партиями.

ОАО «Ювелиры Урала» - предприятие, которое имеет более чем столетнюю историю и производит широкий ассортимент ювелирных украшений из

20 драгоценных металлов с драгоценными и полудрагоценными камнями, а также сувенирной продукции с применением поделочных камней. Квалифицированные специалисты не только продолжает традиции старых мастеров, но и постоянно совершенствует способы и приемы обработки драгоценных металлов и камней.

3. 2. Плетение из лозы.

Плетение из лозы - одно из самых древних ремесел. Оно возникло ещё в древности и занимало значительное место в жизни древнего человека. Из ветвей древесных растений возводили жилища, хозяйственные постройки, делали изгороди, детские колыбели, кузова саней и повозок, мебель, детские игрушки и посуду. А самыми распространенными изделиями из лозы были корзины.

На Руси плетение корзин было довольно обычным делом. Почти каждый крестьянин мог при необходимости сплести хорошую корзину. Ну а корзинщики выплетали их на любой вкус: маленькие и большие, круглые и прямоугольные, овальные и конические, с простым и сложным плетением, с крышками и без них. Без корзин в хозяйстве обойтись было трудно. В них носили белье на речку; брали в дорогу, отправляясь в дальний путь; в них собирали урожай; с ними ходили по грибы.

В современном быту корзины тоже находят различное применение, а уж настоящего грибника без нее трудно и представить. И лучше всего для грибов подходит ивовая. Ивовые ветки, из которых сплетена корзина, содержат большое количество дубильных веществ. Благодаря им грибы долго не портятся, а воздух, проходящий между прутьями, как через фильтр, очищается от вредных микроорганизмов. Кроме того, ивовые прутья впитывают лишнюю влагу и благодаря теплоизоляционным свойствам предохраняют грибы от перегрева. И, конечно же, хорошая корзина легка, красива и удобна. Настоящую ивовую корзинку сегодня редко встретишь даже на базаре. Поэтому лучше сплести ее самому, на свой вкус.

Плетение - один из очень интересных видов народного искусства, который таит большие возможности. Для плетения берут различные материалы - сосновый и еловый корень, прутья лозы разных сортов, лыко бересту, ржаную соломку и рогоз, известные как чекан, или камыш.

Плетение из лозы. Лозу издавна используют на изготовление различных хозяйственных поделок; верши для ловли рыбы, корзинки для грибов и ягод, столы и диваны, женские сумки - вот далеко не полный перечень вещей, которые можно делать из лозы.

Плетение из корня. В наше время мало кто знает, что такое плетение из корня, ещё меньше людей, профессионально владеющих художественной обработкой этого материала. Корень хвойных пород деревьев, прочный, красивый, раньше чрезвычайно широко использовали в изготовлении различной домашней утвари. Однако большая трудоёмкость, сложность заготовки сырья, а главное, изменение быта сельского населения и уход из него ставших

22 не нужными современному человеку предметов, например корзинок - чаруш для выпечки хлеба, резко уменьшили потребность в плетённых из корня вещах.

Корень хвойных деревьев - сосны, ели, пихты - применяются в плетении с глубокой древности. Плетение из корня изделия - прочные и красивые корзины, короба, солонички - встречаются на обширной территории у разных народов нашей страны. Ещё не так давно из корня плели особой формы корзины - полусферические, с одной ручкой, как бы замыкающей эту сферу, или широкие, овальные, с двумя отверстиями-ручками на острых концах.

Круглые, как горшки, большие сосуды с крышками использовали для хранения круп и муки. В овальных корзинах - ларцах держали утварь и принадлежности для рукоделия. Не высокие овальные корзиночки с ажурными бортиками украшали празднично убранный стол.

Плетение из корня гораздо более трудоёмкое, но оно имеет преимущества по сравнению с плетением из других материалов, заключающиеся не только в прочности, но и в красоте материала, а также в особой фактуре плетения.

3. 3. Вышивка бисером, бисероплетение, лоскутная техника.

Искусство изготовления украшений из бисера называется бисероплетением. Бисер может быть вышит с помощью специальной нити, нанизан на нить или проволоку или приклеен к поверхности чего-либо (например, ткани). История бисера уходит в далекое прошлое. Великолепный по своим декоративным качествам материал привлекал внимание мастеров с незапамятных времен. Стеклянные бусины - непосредственные предшественники бисера - украшали одежду древнеегипетских фараонов. Кочевые племена сарматов и скифов еще за несколько столетий до Рождества Христова носили одежду и обувь, отделанную бисером. Маленькие стеклянные шарики украшали ворот, края рукавов и нагрудную часть рубах, а также шаровары, пояса и головные уборы. Не обойден вниманием бисер и на Руси. Первые сведения о его использовании в декорировании одежды относятся к IX-XII вв. Этим же периодом датируются и захоронения на территории Латвии, в которых были найдены матерчатые венцы, украшенные бронзовыми спиральками и бисером.

На протяжении нескольких столетий единственным центром производства бисера в Европе была Венецианская республика. До этого его изготовляли в стеклодельных мастерских Германии и Галлии. Из этих мест оно перекочевало в Византию, а уже из Византии пришло в Венецию.

Центром производства венецианского стекла стал остров Мурано. Там изготовляли различного вида сосуды (в основном надувные), зеркала, бусины, пуговицы, бисер и История бисероплетения уходит своими корнями в глубокую древность. Стеклянные бусы из бисера были известны уже в глубокой древности. В Египте изготовляли одежду из бисерной сетки, которая набиралась из крупного непрозрачного бисера цилиндрической формы. Изготовление бисера совершенствовалось, и со временем его стали делать вначале из полупрозрачного, а затем из прозрачного стекла. Бисер - это стеклянные бусинки очень маленького размера. Вначале их делали, наматывая тонкий слой расплавленного стекла на металлический прут.

Секрет его изготовления сохранялся в строгой тайне. Мастера за разглашение секрета карались по строжайшим законам, вплоть до смертной казни.

Позже бисер стали изготовлять в Богемии. Изобретение в конце XIX века машин по изготовлению бисера позволило удешевить его производство, и богемский бисер быстро распространился по всему свету. Богемский бисер отличался легкостью обработки, чистотой стекла и особой огранкой. В России наибольшее развитие бисероплетение получило в XVIII веке. Больше всего было распространено вышивание и вязание бисером, а кроме того, создание картинок путем вдавливания бисеренок в расплавленный воск.

В Россию бисер привозили из Венеции и Богемии. Производство бисера в

24 нашей стране пытался осуществить М. В. Ломоносов, создавший в 1754 году фабрику по производству стекляруса, бисера и мозаичного стекла. Но просуществовала она, к сожалению недолго и закрылась вскоре после смерти Ломоносова. Бисера высокого качества не производится в нашей стране и по сей день. Бисер поступает к нам из Чехии, Японии и с Тайваня.

К началу ХIХ века в России начался настоящий бисерный бум. В деревнях бисер и стеклярус стали чуть ли не обязательным украшением народного костюма. Долгими вечерами крестьянки плели, низали, ткали, вышивали воротнички, делали бусы и ожерелья, украшали головные уборы, пояса, праздничные сарафаны, соперничая в скорости да в спорости. Недаром считалось, что "бороной да иглой деревня стоит".

В помещичьих усадьбах в специальных мастерских обучали рукоделию крепостных девушек. Помещичьи дочери и жены обычно вышивали основной узор, а фон выполняли крепостные мастерицы.

В городах, особенно в Москве, почти в каждом доме вышивали бисером, украшали рукоделием дома, делали друг другу подарки к праздникам и именинам. Семья собиралась в гостиной, читали вслух, музицировали, вели беседы, а женщины занимались рукоделием. Светские дамы, купчихи, горожанки, преуспевшие в этом искусстве, участвовали в отечественных и зарубежных выставках и получали награды. Богатая девица коротала время, а бедная зарабатывала на хлеб. Мастерство в рукоделии служило признаком хорошего воспитания и домашнего образования.

Не гнушались рукоделием и царственные особы. В хоромах на женской половине в специальной светлице изготовляли церковную утварь, подчас очень высокого качества; из мирских вещей любили расшивать швы - бархатные и атласные платки, украшали бисером дамские шапочки, башмачки и многое другое.

Но настоящими центрами рукоделия были женские монастыри. Здесь готовили убранство для церквей, одеяния священнослужителей расшивали золотом, шелком, серебром, каменьями, а иконы, выполненные лицевой гладью, с жемчугами и бисером, соперничали с иконами писаными.

Монахиням-рукодельницам доверяли и богатые модницы, и государственные мужи, украшавшие шитьем свои мундиры. Монахини занимались благотворительность ю, особенно детской: создавали приюты, обучали грамоте, пению и рукоделию, давали девочкам-сиротам ремесло в руки. В ХI веке в Киеве внучка Ярослава Мудрого Анна-Янка основала при монастыре первую на русской земле школу для послушниц.

Веками монастыри собирали и хранили разнообразную технику рукоделия. Благодаря им мы можем любоваться прекрасными произведениями искусства - иконами, патриаршими облачениями, царскими одеяниями в Оружейной палате Московского Кремля и других музеях страны и прочее.

История лоскутного шитья

До последнего времени считалось, что лоскутное шитье (печворк или квилт) является самым «молодым» видом рукоделия. Тем не менее, самая древняя аппликация, датированная 980 г. до н. э. была найдена в Египте. А в скифских курганах(100 год до н. э. -200 год н. э.) обнаружены фрагменты стеганых одеял с элементами аппликации.

Россия до середины XVIII века была домотканой. Долгие зимние вечера оставляли много времени для рукоделия. Женщины коротали его за прялкой, ткацким станом, пяльцами. Сырьем для изготовления ткани у восточных славян служили лен, конопля и шерсть. Из волокна на домашнем стане женщины вручную ткали ткань. Процесс выращивания этих культур, обработки сырья был очень длительным и трудоемким, поэтому ткани ткали шириной 40 см, соответственно крою рубахи или полотенца, чтобы при шитье практически не оставалось отходов. Одежда из домотканого полотна была крепкой и передавалась от старшего поколения к младшему.

В России самодельные ткани использовались для убранства жилища в основном крестьянами, а до второй половины XIX века и горожанами. Но с конца XVIII века и особенно в XIX веке, благодаря развитию машинного производства в России, все больше начали входить в домашний обиход недорогие, пестрые, яркие хлопчатобумажные ткани. Ширина ситцевого полотна составляла 75-80 см, то есть была шире кроя одежды, и смекалистые хозяйки оставшимися лоскутками стали удлинять детскую одежду, украшать подолы рубах, рукава и оплечья.

Самые же мелкие лоскутки и сохранившиеся части выношенной одежды сшивались в единое разноцветное полотно. Так появилось искусство лоскутного шитья и его символ - лоскутное одеяло, непременный атрибут убранства крестьянского дома, где царил уют, созданный талантливой женской рукой. Лоскутное одеяло вносило красоту в скромный повседневный быт, дарило радостные краски немудреному крестьянскому жилью. Когда родители собирали невесте приданое, то не забывали приготовить и лоскутное одеяло. Детское одеяльце обязательно шили для новорожденных.

Можно без преувеличения сказать, что лоскутные одеяла помогали выжить в холодные промозглые ночи революций и войн, согревали «разно

26 цветьем» воспоминаний о счастливой мирной жизни. В 1970-ые годы в моду вошел фольклорный стиль, и в связи с ним проснулся интерес к традициям лоскутного шитья. Не только местные, но и крупнейшие музеи России обратили внимание на русский текстиль и стали изучать его, как вид искусства.

Сегодня искусство лоскутного шитья (пэчворка) переживает свое второе рождение. Появилось много мастеров, поднявших этот вид рукоделия на небывалую высоту, созданы многочисленные клубы, студии, мастерские, изучающие и развивающие такое древнее и вечно новое лоскутное шитье (пэчворк).

Глава 2. Экспериментальное исследование.

Народные умельцы г. Новая Ляля

Работая над данной темой я решила провести исследование и убедиться, что в моём городе Новая Ляля тоже живут народные умельцы. Выяснилось, что людей, которые владеют ремёслами много. С некоторыми из них я встретилась, узнала об их занятиях, расспросила о жизни, о дальнейших планах в области творчества.

Одним из таких народных умельцев является Галина Аркадьевна Зайнова. Она искусно вышивает крестом картины, которых у неё очень много.

С её работами я познакомилась на выставке, она была посвящена Дню Города. Работы мне её понравились, и я захотела познакомиться с ней поближе.

Эта приветливая женщина гостеприимно приняла нас у себя дома. Каково же было моё удивление, когда я увидела на стенах её квартиры работы, вышитые крестиком. Тематика работ была разнообразной. Это были иконы, храм Христа Спасителя, Ново – Девичий монастырь в городе Москве, домашние и дикие животные. [см. приложение 8]

Галиной Аркадьевной уже вышито крестиком сорок работ. А начала она заниматься художественной вышивкой с августа 2006 года. Одну из своих работ Галина Аркадьевна подарила храму нашего города на Рождество в 2008 году. Это вышивка иконы Николая Чудотворца,в данный момент эта работа находится в алтаре храма «Воскресения Христова». 17 работ она подарила своим близким и друзьям.

Но кроме этого Галина Аркадьевна прекрасно делает поделки из бумаги «Оригами». Красивые лебеди, цветы украшают её квартиру.

Ещё она успевает петь в хоре ансамбля « Русская песня» уже более 30 лет, посещает клуб «Ветеран».

Я спросила у неё, как она всё успевает, а она просто мне ответила красивыми словами, которые стали для неё девизом в жизни:

Нить цветная на канве

Лучшее лекарство

Я смогла себе создать Собственное царство. Здесь уютно и тепло Ангел за плечами И остались за окном Все мои печали.

А другой народный умелец и талантливый человек – это Любовь Васильевна Шунта.

Совсем новой стороной открылась для меня Любовь Васильевна Шунта, учитель русского языка и литературы нашей школы. Она имеет большой стаж работы в нашей школе.

Строгая, но в то же время доброжелательная, а оказывается ещё интересная, творческая, энергичная.

Иногда мы мало знаем о людях, которые нас окружают, причём люди, которых мы видим каждый день, к которым мы привыкли.

Я узнала, что Любовь Васильевна занимается росписью на ткани – холодным батиком. Мы с ней договорились о встрече. Приветливая, внимательная хозяйка нас встретила у себя дома. Стены квартиры украшали работы, сделанные Любовью Васильевной.

Любовь Васильевна занимается холодным батиком около года. Два раза в неделю она ходит на кружок в ГДЦ, где она учится этому мастерству, общается с людьми, разделяющими её интересы.

Я очень обрадовалась, когда Любовь Васильевна предложила мне попробовать самой пройти все этапы изготовления изделия.

Этапы работы таковы:

1. Сначала надо нанести рисунок на бумагу

2. Нанести рисунок на ткани с бумаги

3. Набрать в резерв специальной краски и обвести им рисунок, дождаться пока высохнет

4. При помощи кисти и специальных красок раскрашивается рисунок на ткани

С искринкой в глазах рассказывала и показывала Любовь Васильевна как надо выполнять роспись на ткани. И мне тоже захотелось заняться этим, потому что такие работы радуют глаз, повышают настроение и к тому же являются модным женским украшением. Это шёлковые шарфы, косынки, которые расписывает Любовь Васильевна.

В этом году я продолжила знакомство с народными умельцами нашего города.

Я узнала, что в моём городе есть люди, которые занимаются ювелирным искусством. Это Фанис Вагаповия Вагапов. Беседуя с ним, я узнала, что Фанис Вагапович любит красивые вещи, любит посещать музеи, выставки.

Идея его занятия: чтобы было интересно и полезно людям.

Изготовлением ювелирных изделий он занимается уже 10 лет. Его консультантом был Василий Иванович Дзюба, который закончил Тагильское училище прикладного искусства.

Для изготовления украшений Фанис Вагапович использует материал

Мельхиор – сплав меди (до 70 %) и никеля, похожий по цвету на серебро, подходит не только для изготовления ювелирных украшений, но и для производства посуды, столовых приборов, карманных часов

Нейзильбер (от нем. neusilber - «новое серебро») - сплав меди и никеля с добавлением цинка. В настоящее время нейзильбер широко используется для изготовления медалей и ювелирных изделий. Использует филигранную скань.

Также Фанис Вагапович для своей работы приобретает материал в Каменск-Уральском заводе по обработке цветных металлов.

Среди украшений можно увидеть браслеты с кораллами, серьги различной формы: купольные (в них 175 элементов), серьги с фисташками (говорящие);

31 чулпа для кос (кто их носит, у того снимается отрицательный заряд), также можно увидеть комплекты украшений(цепочка с подвеской, серьги, браслеты) и многие другие

А в 2007 году он был приглашён в Санкт- Петербург на международную ювелирно-минералогическую выставку-ярмарку.

Я очень была рада этой встрече, оказывается чтобы изготовить украшение нужно терпение, знание и конечно же любовь к своему делу.

Продолжая работать над темой своего исследования я была удивлена, что красота заключается не только в ювелирных украшениях. Оказывается из лозы, корней хвойных деревьев можно сплести очень много красивых и полезных вещей.

В музее нашего города я узнала, что в нашем Новолялинском округе живут люди, которые занимаются плетением из лозы. Одним из них является Егор Михайлович Поляков. Начал он заниматься этим ремеслом с того, что на день рождения ему внучка Ирина подарила книгу «Плетение из лозы. Техника. Приёмы». Первая его работа была «дамская сумка», которую он подарил своей внучке Ире. Также Егор Михайлович плетёт корзины, вазы, коробы, корзины - дровницы и многое другое.

Я узнала от него, что корзины плетутся по разному. Это плетение корзины с донышка и с обруча. Оказывается лучше всего для грибов подходит ивовая. Ивовые ветки, из которых сплетена корзина, содержат большое количество дубильных веществ. Благодаря им грибы долго не портятся, а воздух, проходящий между прутьями, как через фильтр, очищается от вредных микроорганизмов. Кроме того, ивовые прутья впитывают лишнюю влагу и благодаря теплоизоляционным свойствам предохраняют грибы от перегрева. И, конечно же, хорошая корзина легка, красива и удобна. Настоящую ивовую корзинку сегодня редко встретишь даже на базаре. Поэтому лучше сплести ее самому, на свой вкус.

Для того, чтобы сплести корзины, различные вазы, Егор Михайлович сначала заготавливает лозу, прутья, потом идёт окоренение прута и расщепление, а потом уже - плетение, некоторые свои изделия он покрывает лаком.

Люди нашего города обращаются Егору Михайловичу с просьбой сплести корзины или что-то другое.

Я узнала, что в нашем городе есть целые династии по изготовлению таких изделий. Это Вера Васильевна Юрлова, её родители: Надежда Сергеевна и Василий Дмитриевич Ячменёвы, дочь Наташа. Женщины в этой семье вышивают крестиком, бисером. Вера Васильевна и её дочь Наташа занимаются также лоскутной техникой.

Вера Васильевна Юрлова ведёт кружок «Рукодельница». Она участвует в различных конкурсах: «Грани таланта», «Семейные традиции» и др. Всё своё мастерство она отдаёт детям. Я обратила внимание, что все её работы яркие, красочные. На некоторые изделия уходит очень много времени, даже до 2- 3 месяцев. А одну из своих работ Вера Васильевна вышивала полгода.

Отец Веры Васильевны занимался резьбой по дереву. Некоторые его работы были даже на выставке за границей.

Я узнала, что многие учителя нашей школы занимаются художественной вышивкой. Моя классная руководительница Алла Юрьевна Луганская, учитель русского языка и литературы Светлана Алексеевна Тураева вышивают крестиком.

В этом году я снова провела опрос среди ребят и родителей нашего класса. Вопросы были те же, что и в том году.

Результаты опроса таковы:

На вопрос: Какие народные промыслы вы знаете?

2009 год- 48% ребят назвали следующие народные промыслы: хохломская роспись, городецкая роспись, матрёшки, дымковская игрушка

2010 год – уже 73% ребят знают народные помыслы.

А на вопрос: Каких людей нашего города вы знаете, которые занимаются народными промыслами?

2009 год- лишь 35% родителей назвали народных умельцев, а в этом 2010 году – 68 %

Заключение

В данной работе рассматривались народные промыслы, которые встречаются и бытуют на Руси, на Севере Урала и в нашем городе.

В ходе работы была изучена научная и популярная литература по данной теме, сайты Интернет и краеведческие материалы музея г. Новая Ляля. В ходе исследования было проведено анкетирование и социологический опрос детей и родителей моего класса. Далее было проведено исследование, целью которого стало знакомство с народными умельцами нашего города, с их работами.

Выдвинутая мной гипотеза подтвердилась. Народные промыслы Северного Урала являются крупным центром русского национального искусства. Народные промыслы на Урале живут и развиваются. А также подтвердилось, что Уральская земля богата народными талантами и мой город не исключение.

В ходе исследования был проведён опрос и выяснилось, что есть люди, которые бережно хранят крупицы народного мастерства, развивают творческие умения.

Следовательно, задачи, которые ставились в ходе исследования, решены.

Работу свою в практической части я собираюсь продолжить. В перспективе моего исследования я планирую познакомиться с деревянным зодчеством Новолялинского округа.

Народные промыслы

Народные промыслы

Изначально традиционные уральские ремесла отличались разнообразием направлений, стилей. Их развивали талантливые самобытные мастера. В наше время в уральских городах и деревнях возрождаются традиционные промыслы и ремесла. Деятельность народных мастеров координирует и направляет областной художественно-экспертный совет по народным художественным промыслам.

Более половины уральских ремесел издавна были связаны с обработкой камня и металла. Искусство уральских камнерезов воспевал в своих сказах Павел Петрович Бажов. Изделия уральцев с давних времен и по сей день украшают лучшие музеи мира и частные собрания.

Среди народных художественных промыслов, традиционно бытовавших на Среднем Урале, до настоящего времени сохранились и развиваются камнерезно-гранильное и ювелирное производство, художественная ковка и гнутье металла, колокололитейное дело, лаковая роспись по металлу, деревообрабатывающие промыслы, производство изделий из художественной керамики и фарфора.

Традиционным уральским промыслом является камнерезно-гранильное производство . Выпуск изделий из поделочных и полудрагоценных камней с 1726 года был сосредоточен в г. Екатеринбурге в небольшой мастерской, выросшей впоследствии в Екатеринбургскую гранильную фабрику. Со второй половины XIX века камнерезные производства размещались во всех крупных заводских поселках.

В настоящее время на территории Свердловской области работают ООО «Уральский сувенир», ООО «Камни Урала», ООО «Таюткино зеркальце», ООО «Мурзинка-1».

Ювелирное производство является одним из самых значимых уральских промыслов. Зарождение его началось с огранки самоцветов в начале третьего десятилетия XVIII века, а собственно ювелирные изделия с драгоценными и поделочными камнями стали выпускаться в первой четверти XIX века в кустарных мастерских, находящихся при всех ювелирных магазинах Екатеринбурга. Особо расцвело ювелирное дело после реформы 1861 года, быстро превратившись в один из самых доходных уральских промыслов.

В настоящее время занимаются ювелирным делом ОАО «Ювелиры Урала», ООО «Екатеринбургская ювелирная фабрика», ИЧП «Витэкс», ООО «Мурзинка-1» ООО «Таюткино зеркальце», ООО «Уральский сувенир».

Колокололитейное дело на Урале возникло в начале XVIII века в Невьянском заводе, где в 1702 году по распоряжению Н.Д. Антуфьева (Демидова) был отлит первый колокол. В 1790 году в Невьянске был основан колокололитейный завод. Затем колокололитейное дело было налажено на Екатеринбургском металлургическом заводе, Каменск-Уральском, Выйском (близь Тагила), Суксунском (около г. Красноуфимска) заводах. В советское время выпуск колоколов был повсеместно прекращен. Возрождение промысла началось в 1990 году. В настоящее время колокололитейное дело освоил ООО «Пятков и Ко» в городе Каменск-Уральском.

Художественная ковка и гнутье металла развивалось на Урале по мере становления горнозаводской архитектуры (изготовление оград, колонн, ворот). В современный период художественной ковкой в Свердловской области занимаются ООО «Кузнецы», ООО «Кузнечная академия», ООО «Кузнечная мануфактура», ООО «Олтос», кузнецы мастерских Художественного фонда (г. Екатеринбург); предприятия ООО «Ковград», ООО «Симфония металла» (г. Первоуральск). Индивидуально работающие мастера и предприятия входят в ассоциацию «Кузнецы Урала» (президент – доцент Уральской архитектурно-художественной академии Н.А. Волков).

Лаковая роспись по металлу зародилась в Нижнем Тагиле. Недавно этот промысел отметил свое 265-летие. В настоящее время производится выпуск расписных подносов в г. Нижнем Тагиле на предприятиях ООО «Тагильский поднос», участком росписи подносов ООО «РСК», ООО «Лаковая живопись Урала».

Деревообрабатывающие промысл ы в богатом лесами Уральском крае были представлены изготовлением «стильной мебели» богато украшенной резьбой, плетеной мебелью и другими изделиями из лозы и ивы, мелкой декоративной пластикой. В настоящее время различные предметы бытового назначения (корзины, короба, абажуры) выпускает Дистанция лесозащитных насаждений Свердловской железной дороги («Егоршинская лоза»), плетеную мебель из ивы изготавливает ИЧП «Плетеная мебель Тропникова», в мастерских комбината Художественного фонда создан «Центр художественной древесины», специализирующийся на резьбе по дереву, инкрустации; производством разнообразных изделий из бересты занимаются мастера ООО «Артель» в городе Лесном.

Художественный керамический промысел на Среднем Урале был известен с начала XVIII века выпуском глиняной посуды в Невьянском и Сысертском районах. В настоящее время продолжателем дела «Невьянского завода художественной керамики» в Невьянском районе является предприятие ООО «Таволожская керамика». На выпуске посуды с ручной кистевой росписью специализируется ООО «Фарфор Сысерти». В 2000 году «Фарфор Сысерти» освоил производство фарфорово-фаянсовых иконостасов.

Перечень мест традиционного бытования народных художественных промыслов в Свердловской области (утвержден постановлением Правительства Свердловской области от 06 марта 2013 года № 262-ПП «Об утверждении Перечня мест традиционного бытования народных художественных промыслов Свердловской области»):

1. Город Екатеринбург – камнерезное и ювелирное производство, художественное литье и ковка металла, керамическое производство, художественная обработка ткани и лозоплетение.

2. Город Нижний Тагил – лаковая роспись по металлу, камнерезное и ювелирное производство, берестяное дело, художественное литье и ковка металла.

3. Город Сысерть – производство фарфоровой расписной посуды.

4. Город Богданович – производство фарфоровой расписной посуды.

5. Посёлок Нейво-Шайтанский, Алапаевский район – производство ювелирных и камнерезных изделий.

6. Село Бутка, Талицкий район – художественное ручное ковроткачество и узорное вязание.

7. Город Туринск – изготовление изделий из дерева с ручной кистевой росписью: детских игрушек, сувениров, кухонных и столовых наборов.

8. Город Артемовский – лозоплетение.

9. Невьянский район – производство художественной керамики.

10. Город Каменск-Уральский – колокололитейное производство, производство изделий из бересты, художественное литье и ковка металла.

11. Город Лесной – производство изделий из бересты и лозы, керамическое производство, художественное литье и ковка металла.

Своими корнями народное искусство и художественные промыслы уходят в глубокую древность, когда человек жил в условиях первобытнообщинного и родового строя. Средства существования он добывал примитивными способами. Всякая деятельность в первобытном обществе могла быть только коллективной. Разделение труда осуществлялось только на труд мужской (война, охота) и труд женский (приготовление пищи, изготовление одежды, ведение домашнего хозяйства); в то время даже керамическое производство было домашним женским делом. Необходимость совместного труда обусловила общую собственность на орудия труда, на землю, на продукты производства. Имущественного неравенства еще не было.

Зачатки искусства тогда тоже носили коллективный характер. Изготовляя орудия труда, охоты и войны, посуду, одежду и другие необходимые в быту предметы, человек стремился придать им красивую форму, украсить их орнаментом, то есть делал тем самым обычные вещи произведениями искусства. Нередко форма изделия и его орнамент имели еще и магическое, культовое назначение. Так, один и тот же предмет мог одновременно удовлетворять реальные потребности человека, отвечать его религиозным взглядам и соответствовать его пониманию красоты.

Эта нерасчлененность, слитность функций древнего искусства была характерной чертой и искусства древних восточных славян, которое было неотделимо от их быта. Самым первым производством, выделившимся в самостоятельное ремесло в городе и деревне, было обработка металла.

Древняя Русь знала почти все виды современной художественной металлообработки, но главными была ковка, литье, чеканка, филигрань и зернь.

Наиболее высокого уровня развития в это время достигло ювелирное искусство.

Вторым по времени зарождения ремеслом, после обработки металла, явилось гончарство. В 9-10 вв. Киевская Русь уже знает гончарный круг, появление которого означало переход керамического производства из рук женщин, занятых домашним трудом, в руки мужчины-ремесленника. Гончарные мастерские изготовляли посуду, домашнюю утварь, игрушки, предметы церковного обихода, изразцы -- декоративные керамические плитки, которые использовались в архитектуре как отделочный материал.

В древней Руси было развито также и искусство ремесленников-камнерезов: резчиков икон и литейных форм, гранильщиков бус. Работало множество косторезных мастерских, массовой продукцией которых были гребни самых разнообразных форм, а также предметы культового назначения: кресты, иконы и так далее.

Ремесленники Древней Руси в основном выполняли изделия на заказ. По своему социальному положению они входили в различные группы населения. В городах уже работали свободные мастера: иконописцы, златокузнецы, чеканщики, кузнецы, игрушечники и другие. Вместе с тем на боярских и княжеских дворах, в поместьях и вотчинах трудились закрепощенные мастера-холопы. В монастырях также работали ремесленники. Следует отметить, что в Древней Руси не ко всем видам ремесел относились одинаково. Были профессии более «почитаемые», такие, как иконописное, златокузнечное дело, и были «черные», «грязные», как, например, гончарное дело.

Основными видами женского художественного творчества в Древней Руси были узорное ткачество в частности, «бранное», вышивка по холсту, золотое шитье, «шелковое прялочное дело».

Основным видом искусства являлось древнерусское шитье -- вышитая церковная утварь: пелены, плащаницы, покровы, вызывавшие всеобщее восхищение и вывозившиеся из Руси в другие страны.

Крупными центрами художественного женского рукоделия были монастыри. Среди древнейших русских художественных промыслов следует назвать промысел художественной резьбы по кости и дереву, возникший в Троице-Сергиевом монастыре в 16-17 вв. Здесь же стал развиваться и игрушечный промысел.

Великая Отечественная война, нарушившая мирный труд, не могла не отразиться и на развитии художественных промыслов. В своих произведениях в годы Великой Отечественной войны народные мастера стремились откликнуться на волновавшие всех события. В первые годы послевоенного периода артели художественных промыслов восстанавливают свои творческие силы, воспитывают новые, молодые кадры мастеров и художников.

В 1960 году решением правительства, в связи с ликвидацией промысловой кооперации, художественные артели были преобразованы в фабрики и комбинаты, которые существуют и развиваются по сегодняшний день.

В целях сохранения народных художественных промыслов в условиях рыночной экономики, для защиты их интересов в федеральных и региональных органах власти в 1990 году по инициативе ряда предприятий была создана Ассоциация «Народные художественные промыслы России». .